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Les sabines décoiffées par Jacques-Louis David

kudchouette — Wed, 08 Jul 2020 06:23:09 +0000

Les sabines décoiffées par Jacques-Louis David

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Titre :	Les sabines
Auteur :	Jacques-Louis David
Technique :	Huile sur toile
Dimensions :	3.85 m x 5.22 m
Année :	1799
Conservation :	Musée du Louvre

Les sabines en chiffres

Francs

m2

ans de travail

jumeau

L’enlèvement des sabines est un épisode de l’histoire légendaire de la fondation de Rome par Romulus. Au même titre que la mythologie grecque, à laquelle elle est d’ailleurs reliée, cette période a inlassablement inspiré les artistes de tous temps. Et le fait que le grand Jacques-Louis David ait choisi précisément le moment de l’intervention des sabines est loin d’être anodin dans le contexte politique de son époque.

Les origines (légendaires ?) de Rome

Depuis des siècles, les experts ne cessent de s’interroger sur l’histoire de la fondation de Rome et notamment sur la frontière entre le mythe et la réalité.

Varron, un magistrat romain du Ier siècle av. JC, est le premier à dater cet événement en 753 av. JC.

LE MYTHE
Contrairement aux idées reçues, la légende de la fondation de Rome ne commence pas avec Rémus et Romulus allaités par la louve, mais avec la guerre de Troie !
L’illustre Énée, survivant de la cité dévastée par les grecs serait leur ancêtre.
Selon les récits de l’antiquité, le héros troyen aurait fui l’Asie mineure après la prise de Troie, pour s’établir sur les bords du Tibre.

Ce serait même lui qui aurait donné le nom de « latin » à son peuple en hommage à son beau-père, le roi Latinus.
Quatre siècles plus tard, sa descendante directe, Rhéa Silvia, est contrainte par son oncle Aumulius à entrer dans l’ordre des vestales, vouées à la chasteté. Il espère ainsi préserver durablement le trône qu’il vient de ravir à son propre frère, le père de Rhéa Silvia. Mais c’est sans compter le dieu Mars, qui séduit la jeune femme. De cette union naîtront les célèbres jumeaux : Rémus et Romulus.
Aumulius jette les enfants dans les eaux du Tibre en crue, mais le panier qui leur sert de berceau échoue au pied du Mont Palatin.
C’est à ce moment-là qu’une louve leur sauve la vie en leur offrant son lait dans la grotte du Lupercale.

Les années passent. Devenus de vigoureux adolescents, les deux frères se vengent. Ils remettent leur grand-père sur le trône après avoir tué Aumulius l’usurpateur.
De retour sur le mont Palatin où ils ont grandi, ils fondent leur cité.
Mais un combat fratricide naît de nouveau pour la gouvernance de leur nouvelle nation et Romulus tue son frère devenant ainsi le premier souverain de Rome.

Enée fuyant Troie

Federico Barocci | 1598, Galerie Borghese, Rome

Après s’être illustré au combat pendant le siège de Troie, Énée fuit la ville en flamme avec sa famille, en portant notamment son père Anchise sur ses épaules. Ses aventures l’emmèneront en Italie et feront l’objet de l’Énéide, le fameux récit de Virgile.
Rémus et Romulus seraient ses descendants.

Louve du Capitole

Sculpture en bronze conservée à Rome au Musée du Capitole. Elle est un symbole associé à la mythique légende de Romulus et Rémus et à la fondation de Rome.

LES FAITS

Le sillon de Romulus

Dans ce conflit opposant les deux frères, un détail de la légende relatée depuis des siècles semble pourtant correspondre à une découverte archéologique.
Lorsque Romulus est désigné légitime fondateur de Rome par les oracles, il lui revient, selon la tradition, le privilège de creuser un sillon délimitant la future ville. Rémus, écœuré, franchit ce sillon et meurt en combattant son frère.
Dans les années 1980, des fouilles aboutissent à la découverte d’une tranchée évoquant le tracé d’un mur d’enceinte datant justement du VIIIème siècle avant JC.

La grotte du Lupercale
Autre découverte troublante, en 2007, lors de recherches menées au pied du Mont Palatin les investigations des scientifiques révèlent une stupéfiante caverne. Située à 7 mètres de la surface, la voûte est ornementée de fresques décrites dans des chroniques du Ier siècle av. JC à propos de la grotte du Lupercale.

Ce lieu atteste la célébration de rites en l’honneur du dieu Lupercus. Les romains de l’époque d’Auguste considéraient cette grotte comme LA grotte où les jumeaux avaient été recueillis par la louve.

Origines préhelléniques

Par ailleurs, même si de nombreux exégètes doutent des origines greco-troyennes (Énée) de la cité, des fragments de céramiques préhelléniques furent découverts dans la région dans les années 1990.

EXPLICATION RATIONNELLE DE TITE-LIVE

Dans son « histoire romaine », Tite-Live nuance la légende en apportant des explications sur les aspects mythologiques du conte. Selon lui, Rhéa Silva fut victime d’un viol qu’elle aurait voulu dissimuler. Et l’épisode de la fameuse louve nourricière ne serait autre qu’une mauvaise interprétation du terme « luppa », qui en langue italique signifierait « prostituée ».
Tite-live ne remet d’ailleurs pas en question la date de la fondation de Rome en 753 av. JC.

Les sept collines de Rome

Ce sont les principales collines sur lesquelles s’étend la ville de la Rome antique sur la rive gauche du Tibre, comprises dans le mur Servien du VIe siècle av. J.-C.

Ces éléments de relief jouent un rôle majeur dans l’histoire, l’urbanisme et la culture de la ville antique.

Plafond de la grotte du lupercale

Selon la légende Romulus et Rémus auraient été trouvés dans cette grotte par la louve, qui les aurait alors allaités jusqu’à ce qu’ils soient recueillis par le berger Faustulus.
Lors de la découverte de cette cavité en 2007, le gouvernement italien l’a présentée comme l’une des plus importantes de ces derniers siècles.

L’enlèvement des sabines

Plusieurs sources antiques relatent l’épisode de l’enlèvement des sabines :

Tite-Live, dans « histoire romaine »
Denys d’Halicarnasse, dans « Antiquités romaines »
Plutarque, dans « Vies parallèles«

Romulus et ses colons, leur ville fraîchement érigée, se retrouvèrent confrontés à un soucis de premier ordre : ils n’étaient que des hommes ! Comment pérenniser une civilisation sans femme et donc sans espoir de descendance ?
Après avoir essuyé le refus des peuples voisins, méfiants à leur égard, de s’unir avec leurs filles, Romulus se résigna à un tout autre expédient, bien moins diplomatique : les kidnapper !
Pour ce faire, il organisa dans la vallée séparant le Palatin de l’Aventin, des jeux équestres en l’honneur du dieu Neptune et invita ses voisins les sabins.

Alors que l’attention des hommes était détournée, les romains enlevèrent les sabines sans que leurs pères ou frères, désarmés, ne puissent réagir.
Romulus proposa aux sabines de devenir citoyennes romaines en se mariant avec ses compagnons. Lui- même épousa Hersilie, qui, selon certaines versions serait la fille de Tatius, le roi des sabins.
Tandis que ce dernier fomentait une guerre punitive, Romulus déclara aux séquestrées :

« Cette violence ne doit être imputée qu’à l’orgueil de vos pères, et à leur refus de s’allier, par des mariages, à un peuple voisin ».

Les batailles entre les deux clans se succédèrent pendant trois années. Entre temps, les sabines étaient devenues des épouses et des mères.

Au cours d’un ultime affrontement, les sabins réussirent à prendre l’avantage sur les romains. Tarpeia, l’une des sabines séquestrées décida d’aider son peuple d’origine et leur ouvrit les portes de la citadelle.

Tatius et ses soldats s’emparèrent aussitôt du Capitole, pourtant réputé imprenable.
Au plus fort des combat, alors que Romulus tente de reconquérir du terrain, les sabines, femmes de romains, filles et sœurs de sabins intervinrent pour ramener les hommes à la raison : n’appartenaient-ils pas à présent tous à la même famille ?

L’Enlèvement des sabines

Giambologna | 1582 , Loggia dei Lanzi, Florence

La trahison de Tarpéia

Pièce en argent | 89 av. JC

Quelle que soit la raison qui poussa Tarpéia à trahir les romains (amour pour Tatius ou vénalité pure), elle finit écrasée sous les boucliers des sabins. Le lieu de sa mort, sur la colline du capitole fut par la suite nommée « Roche tarpéienne », et demeura dans l’antiquité un lieu d’exécution pour les condamnés à mort.

Le rebondissement

Tite-Live nous décrit la scène : « (Elles) sont allées, courageuses, au milieu des projectiles, leurs cheveux défaits et leurs vêtements déchirés. Courant dans l’espace entre les deux armées, elles essayèrent d’arrêter tout nouvel affrontement et de calmer les passions en appelant leurs pères dans l’une des armées et leurs maris dans l’autre à ne pas appeler la malédiction sur leurs têtes et la souillure du parricide sur celle de leur descendance, en salissant leurs mains du sang de leur beau-fils et beau-père. Elles criaient :

« Si ces liens de parenté, si ces mariages vous sont odieux, c’est contre nous qu’il faut tourner votre colère ; c’est nous qui sommes la cause de cette guerre. Nous préférons mourir plutôt que de survivre à nos maris ou à nos pères, de rester veuves ou orphelines. »

Gagnés par l’émotion, les soldats des deux clans reprirent leurs esprits et mirent fin à la bataille.

MAIS CE N’EST PAS TOUT !

Non contents de s’être réconciliés, ils décidèrent carrément de fraterniser. Leurs deux peuples se réunirent en un seul état dont le siège serait à Rome, et le pouvoir serait partagé entre les deux chefs : Romulus et Tatius.

Le choix du sujet : la réconciliation

Même si au premier regard, la scène semble nous conter une bataille, il est bien question de paix.

Le sang a coulé, les lances se dressent encore, mais l’action est suspendue. Ce que l’artiste nous décrit, c’est l’instant précis, où, sous la pression des femmes, deux peuples vont s’unir au lieu de s’affronter, et ce pour fonder l’une des plus illustres civilisations. Et Jacques-Louis David n’a pas choisi son sujet à la légère.

Nous sommes en 1794, et David est LE peintre de la révolution, il peint les martyrs tels « Marat assassiné », ou « La mort du jeune Bara ». Non seulement le peintre partage l’idée révolutionnaire, mais il s’engage aussi politiquement en se faisant élire député à la convention en 1792. De plus en plus radicalisé, il se rapproche de Robespierre, et il vote notamment la mort de Louis XVI en 1793.

Mais l’année suivante, c’est la chute de Robespierre et avec elle, la période de terreur qui avait suivi la révolution prend fin. Robespierre est exécuté, et David en tant que partisan est emprisonné. Ce serait pendant cet enfermement qu’il aurait élaboré son projet des sabines. En s’appropriant ainsi le thème de la réconciliation, il se présentait en homme de paix.

La présentation des « Sabines » au public

Après quatre années de travail, David considère « Les sabines » comme son chef d’œuvre. Il décide de sortir des traditions et organise une exposition publique payante. C’est une première, seuls quelques artistes américains ont déjà innové de la sorte, mais en France en général, on est censé montrer ses réalisations aux salons de peintures organisés par l’académie.

Pour lui la véritable destination de l’art est « de servir la morale et d’élever les âmes, en faisant passer dans celles des spectateurs les sentiments généreux rappelés par les productions des artistes. »
Il défend le système des expositions publiques qui permettrait au peuple (contre une légère contribution) d’accéder à l’art, qui autrefois n’était que le privilège d’une élite. Selon lui il donne ainsi au public le pouvoir de juger l’artiste directement, en plébiscitant l’expo ou non.
« je ne connais pas d’honneur au-dessus de celui d’avoir le public pour juge. »
Il explique également dans la notice argumentaire de cette exposition, qu’il comptait rompre avec le style sévère et académique qui avait été le sien jusqu’à présent et voulait « faire du grec pur », et se confronter aux grands artistes de l’antiquité grecque. Il était désireux de montrer du « beau idéal » et suivre les concepts du néoclassicisme.
Le peintre écrit même une note dans son argumentaire sur « la nudité de mes héros ».
Il justifie son choix en citant de nombreux exemples d’œuvres antiques où les héros sont représentés nus.

Il termine sa démonstration sur cette phrase :

« Mon intention, en faisant ce tableau, était de peindre les mœurs antiques avec une telle exactitude que les grecs et les romains, en voyant mon ouvrage, ne m’eussent pas trouvé étranger à leurs coutumes. »

Notice de David sur son tableau Les sabines

1799 (an VIII selon le calendrier révolutionnaire)

Pour accompagner son exposition, Jacques-louis David rédige ce texte, expliquant ce qui l’a décidé à organiser une présentation publique, ainsi que sa démarche artistique pour ce projet.

Réception critique

L’exposition est un succès et ne désemplit pas.

Mais les éditorialistes de l’époque ne sont pas tous unanimes

Le savoir-faire de Jacques-Louis David paraît trop évident à certains critiques qui désapprouvent un traitement presque clinique des corps prenant la pose, les casques seraient trop rutilants pour être vrais.

On discute cette éloquence que l’on considère sans chaleur, utilisant des recettes d’atelier. On l’accuse de manquer de spontanéité.

On reproche aussi à David de trop s’inspirer de la statuaire antique, et puis des soldats tout nus, en plus d’être irréaliste… c’est indécent !

Description des « Sabines »

Jacques-Louis David étale son dessin soigné dans une frise, sans beaucoup de contraste de lumière ni d’avalanche de couleurs.

Les deux camps sont représentés par deux guerriers athlétiques, et nus, donc.

A droite, on reconnait Romulus grâce à son bouclier rutilant et orné de la louve romaine. Son attaque est suspendue mais son allure est décidée avec une position solide et ancrée au sol. Il attend sans doute la réaction de Tatius, le roi sabin situé à gauche, qui est justement en train de baisser la garde en pointant son glaive vers le sol (glaive dont le fourreau dissimule fort à propos son intimité).

Tatius

Romulus

Mais c’est bien sûr Hersilie qui monopolise le regard en dominant la composition par son attitude volontaire, gracieuse et digne. Elle s’interpose de tout son corps au cœur de la bataille entre son mari et son père. Son teint, presque aussi blanc que sa tunique se détache parfaitement du décor. Ça tombe bien, elle porte tout le propos du tableau.

Autour d’elle, cinq sabines appuient sa position et forment un cercle. Et contrairement aux hommes, elles portent des vêtements pour une fois !

Hersilie

Il y a celle qui interpose son nourisson à la forêt de lances qui lui fait face, soulignant ainsi l’absurdité du combat.
Une autre, désespérée supplie Tatius en s’accrochant à sa jambe.
Au sol, une mère implore les belligérants au nom des enfants qui l’accompagnent.
Derrière elle, une vieille femme offre sa poitrine en sacrifice aux glaives. Avec cette figure, David rend très certainement un hommage appuyé à Poussin, qui peignit par deux fois au XVIIème siècle « L’enlèvement des sabines ».
Enfin, il y a cette femme habillée de rouge, les bras levés. Elle est située tout à fait au centre du tableau et fixe le spectateur avec intensité. Hormis ce personnage, seuls les chevaux et les enfants nous regardent.

Vieille femme chez David / chez Poussin

Autour de ces protagonistes, la paix semble se profiler. Le général de la cavalerie rengaine son sabre et les soldats retirent leur casque en signe de paix.

Tout à fait à droite, un esclave affranchi, reconnaissable à son couvre-chef (un pileus conique) fait demi-tour avec sa monture pour s’éloigner de la bataille.

La scène a pour décor l’Aventin, l’une des sept collines de Rome, sur laquelle on peut distinguer le capitole avec un temple consacré à Jupiter (le premier construit par Romulus). On aperçoit également la roche Tarpéienne, nommée d’après Tarpéia, qui, rappelons-nous, trahit les romains en ouvrant les portes de la citadelle aux troupes ennemies.

On pourrait se risquer à penser que David a fait une transposition symbolique de son monde dans le tableau, pour en faire un miroir de la société française de l’époque :

Cette forteresse derrière ne ressemblerait-elle pas à la prison de la bastille ?

Les pileus que portent plusieurs romains, indiquant l’origine esclave de cette partie de l’armée, n’ont-ils pas par hasard la forme du bonnet phrygien ?

Et ces piques dressées ne rappellent-elles pas la révolte populaire qui vient d’avoir lieu en France ?

Malheureusement, David ne nous donne pas d’indice sur ce thème dans ses écrits.

Dans tous les cas, cette oeuvre aura marqué son époque. Par sa qualité bien sûr, mais aussi par l’innovation de son exhibition au public et par la passion des débats contradictoires à son sujet.

Autour du tableau

Le retentissement de l’œuvre de David fut tel qu’un an après la présentation du tableau au public, une compagnie de théâtre le prend comme sujet d’un vaudeville intitulé « Le tableau des sabines » et fait un triomphe à Paris.

Plusieurs artistes ont également rendu hommage à David en faisant référence à son chef d’œuvre :

En 1812, Jean-Auguste-Dominique Ingres, l’élève de David reprend certains détails dans son tableau « Romulus vainqueur d’Acron ».
Romulus est cette fois représenté en toge, mais des porteurs tiennent en évidence son bouclier décoré du symbole de la louve ainsi que son casque, si singulier dans le tableau des sabines.
A noter aussi, le cheval cabré, copie conforme de l’un des équidés peints par David.

En 1962, Picasso dévoile à son tour son interprétation de « L’enlèvement des sabines » et reprend le Romulus de David, reconnaissable à sa posture si particulière. Chez Picasso, le javelot est substitué par un couteau de boucher.

En 1991, Michel Lablais se réapproprie complètement le tableau, et livre sa vision personnelle en reprenant certains éléments-clés : Romulus, bien sûr, dont le casque a laissé la place à un iguane ; la femme brandissant le nourrisson ; le bouclier de Tatius dans un coin ; le cheval au regard apeuré ; et enfin la forêt de piques.

Ingres – Romulus, vainqueur d’Acron – 1812

Picasso – Enlèvement des sabines – 1962

Michel Lablais – Les sabines – 1991

Et Rome alors ?

Après Romulus, Rome aurait été dirigée par six autres rois. Mais en 509 av. JC, les excès de Tarquin le Superbe et notamment le viol de Lucrèce déclenchent une révolte populaire. Le monarque est chassé du pouvoir et laisse place à deux consuls, instaurant ainsi la République. Mais ceci est une autre histoire… 😉

A propos de Jaques-Louis David...

Jacques-Louis David est né le 30 août 1748 à Paris et mort le 29 décembre 1825 à Bruxelles.

Il est considéré comme le chef de file du mouvement néo-classique. Il revendique l’héritage du classicisme de Nicolas Poussin et des idéaux esthétiques grecs et romains, en cherchant, selon sa propre formule, à « régénérer les arts en développant une peinture que les classiques grecs et romains auraient sans hésiter pu prendre pour la leur ».

Sous la Restauration, son passé de révolutionnaire et d’artiste impérial lui vaut d’être exilé. Il se réfugie à Bruxelles et continue jusqu’à sa mort en 1825 son activité artistique.

Son œuvre est exposée dans la plupart des musées d’Europe et aux États-Unis, et pour une grande partie au musée du Louvre. Elle est constituée principalement de tableaux d’histoire et de portraits.

Repères

771 av. JC : Naissance de Rémus et Romulus
753 av. JC : Fondation de Rome par Romulus
750 av. JC : Alliance avec les sabins
1794 : Emprisonnement de Jacques-Louis David, début du travail sur « Les sabines »
1799 : Présentation publique du tableau « Les sabines »

Biblio :

« Histoire romaine, livre I » de Tite-Live

« Vies parallèles, vie de Romulus » de Plutarque

« Antiquités romaines, livre I » de Denys d’Halicarnasse

« L’art français, le temps de l’éloquence – 1775 – 1825 », d’André Chastel

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Guillaume le conquérant, star de la tapisserie de Bayeux

kudchouette — Wed, 04 Dec 2019 10:30:19 +0000

Guillaume le conquérant, star de la tapisserie de Bayeux

Titre :	La tapisserie de Bayeux
Auteur :	Inconnu
Technique :	Broderie
Dimensions :	~ 0.5m x 69m
Année :	fin du XIème siècle
Conservation :	Musée de la tapisserie de Bayeux

La tapisserie de Bayeux en chiffres

mètres

kilos

bâteaux

personnages

comète

À la fois œuvre d’art et document historique, la tapisserie de Bayeux évoque un tournant de l’histoire européenne : celui de la conquête de l’Angleterre par le duc Guillaume de Normandie, plus connu sous le nom de Guillaume le Conquérant.

Guillaume le conquérant, héritier des vikings

Quand Guillaume – le futur conquérant – voit je jour en 1027, la Normandie est un duché relativement autonome, et très prospère. Un peu plus d’un siècle auparavant, son quadrisaïeul (autrement dit son arrière arrière arrière grand-père) Rollon le viking acquit le territoire par le traité de Saint-Clair-sur-Epte signé avec le roi de France Charles le Simple.

Le père de Guillaume, Robert le Magnifique, gouverne avec prodigalité et libéralisme pendant 7 ans, mais il meurt brutalement au retour d’une croisade en 1035. Avant son périple, il avait pris soin de faire reconnaître son fils – illégitime – par les grands du duché.

Mais à la mort de Robert, le désordre apparaît et malgré leur serment, les comtes n’acceptent pas le petit bâtard comme duc.

Les difficiles débuts de Guillaume le conquérant

C’est réellement en 1047 que les opposants, menés par Hugues, l’évêque de Bayeux, commencent à conspirer.

Le complot se précise, et l’assassinat du jeune duc est prévu pour le 14 janvier.

Mais Guillaume, alors en déplacement à Valogne, est alerté in extremis par un partisan. Pressentant le danger immédiat, il fuit dans la nuit et prend la direction de son château situé à Falaise. Pendant plusieurs lieues, il est pourchassé à cheval par ses ennemis mais réussi à s’échapper.

Les conjurés ont échoué et Guillaume est en sécurité, mais il est isolé.

Pendant 7 mois, les traitres, effrayés par les probables représailles, multiplient les alliances et les coups de force.

Mais Guillaume réunit ses fidèles à sa cause et surtout obtient l’appui militaire du roi de France Henri I^er.

Le 10 août, la fronde est écrasée lors de la bataille de Val-ès-Dunes.

Après cette victoire, Guillaume assoit son autorité et parvient à endiguer la vague d’insubordination.

Il a 20 ans.

Les raisons de l’imbroglio de la succession du trône d’Angleterre

Depuis deux siècles, L’Angleterre est instable et subit les incursions fréquentes des scandinaves. Le roi Ethelred (surnommé « le malavisé » !) a coutume de payer les envahisseurs pour qu’ils repartent.

Il choisit pour épouse Emma, la fille de Richard II, duc de Normandie, lui-même grand-père de Guillaume. De cette union, naîtront Édith, Alfred, et surtout Édouard, futur confesseur.

En l’an 1002, Ethelred, désireux de se débarrasser des vikings, aurait commandité le massacre de colons danois le jour de la Saint Brice.

En représailles, le roi Sven du Danemark attaque l’Angleterre, déclenche une invasion massive et devient le nouveau roi en 1013.

Ethelred et sa famille, prennent l’exil et se réfugient tout naturellement dans la patrie d’Emma : la Normandie.

A la mort d’Ethelred, Emma est remariée à Knut le Grand le fils de Sven, et nouveau roi d’Angleterre qui a besoin d’assoir sa légitimité en épousant la veuve du dernier roi anglo-saxon.

Après plusieurs autres successions, c’est finalement à Édouard que revient la couronne anglaise. Édouard, dit « le confesseur », est, souvenons-nous, le fils d’Emma, et donc le cousin germain de Guillaume.

En 1050 environ, il semble qu’Édouard ait pris contact avec Guillaume sur la question de la transmission du trône d’Angleterre. Y a-t-il eu un véritable pacte ? Ou bien une simple approche ? Quoi qu’il en soit, c’est l’acte déclencheur de la conquête de l’Angleterre par Guillaume de Normandie.

Et c’est ici que commence l’histoire racontée par la tapisserie de Bayeux.

Détail d’un rouleau représentant la lignée des ducs de Normandie et des rois d’Angleterre jusqu’à Henri Ier.

Tout en haut, c’est Harold, roi d’Angleterre.

On peut ensuite reconnaître le viking Rollon, Guillaume Longue-Épée (son fils), Richard Sans-Peur (son petit-fils) et les enfants de ce dernier (dont son successeur Richard II). Ensuite, viennent les petits enfants de Richard sans peur dont Robert le Magnifique, le père de Guillaume le Conquérant.

Viennent ensuite Guillaume, puis ses descendants Guillaume II le Roux, et enfin Henri Ier.

La tapisserie de Bayeux, c’est quoi ?

Déjà, si on veut être précis, ce n’est pas une tapisserie dans le sens strict, mais plutôt une broderie. Les motifs sont tissés sur neuf pièces de lin, employant cinq couleurs principales. Le dessin, qui tend légèrement vers la caricature, ne cherche pas forcément le réalisme : un cheval pouvant tout à fait être représenté en bleu par exemple.

L’unité de style laisse penser qu’elle a été conçue par un seul artiste. Avant le XVIIIème siècle, la tapisserie était connue sous le nom de « La tapisserie de la reine Mathilde », cette fameuse Mathilde étant le plus souvent identifiée comme l’épouse de Guillaume. Cette thèse est aujourd’hui totalement écartée.

L’histoire racontée suit l’ordre chronologique des évènements. Le récit principal est encadré par une large bordure, dont la frise semble relater des évènements anecdotiques.

Ces marges supérieures et inférieures, outre leur caractère décoratif, pourraient avoir le rôle de décrire des actions parallèles, du genre : « pendant ce temps-là, ailleurs… »

En certains endroits où le récit monte en tension, la scène centrale empiète sur le bord supérieur.

Les commentaires sont écrits en latin naïf, pas toujours aisés à interpréter.

L’œuvre a subi de nombreuses restaurations au cours des siècles, notamment à ses extrémités, et on pense qu’elle a été amputée de sa scène finale.

La tapisserie nous offre aujourd’hui une documentation inespérée de l’époque. Grâce aux détails de ses illustrations, nous observons la forme des équipements martiaux, les techniques de construction des navires, etc.

Le fait quelle ait réussi à traverser presque 1000 ans d’histoire tient du miracle si l’on considère tous les évènements qui auraient pu conduire à sa destruction (la guerre de 100 ans, les guerres de religions ou encore la révolution française).

Scenario et distribution de la tapisserie de Bayeux

Pendant la période mouvementée d’une Europe médiévale encore en construction, l’ambition « anti brexit » du plus conquérant de nos Guillaume mène à une guerre de succession contre Harold Godwinson dont l’affrontement principal a lieu à Hastings.

Les évènements relatés se déroulent entre 1064 avec le débarquement d’Harold en Normandie et le 14 octobre 1066 lorsque ce dernier fut tué pendant la bataille de Hastings.

Avec, dans l’ordre d’apparition :

Harold (Prétendant au trône d’Angleterre)
Édouard le Confesseur (Roi d’Angleterre)
Guy de Ponthieu (le trouble fête)
Guillaume le Conquérant (la tête d’affiche)

Décryptage historique de la Tapisserie de Bayeux

Nous sommes au début de l’année 1064, probablement au palais de Winchester. Édouard le Confesseur est représenté siégeant sur son trône avec les attributs du pouvoir.

Dès cette première image (1), apparaît Harold, qui parlemente avec le roi. Harold est l’héritier du vaste et puissant comté de Wessex, et sa famille a toujours été proche du pouvoir depuis le règne de Knut.

1 – Harold et Édouard le confesseur

EDWARD REX « Le roi Édouard »

Après des scènes représentant Harold chassant avec ses hommes, et festoyant dans son manoir, il embarque sur des bateaux, qui, toutes voiles gonflées (2), traversent la Manche.

Notons que tous les hommes portent la moustache, et la coupe au bol… C’est ainsi que seront représentés les anglais tout au long de la broderie !

Lorsque Harold débarque, il est sans arme et semble s’être échoué. Pris au dépourvu, il est saisi sans ménagement par des soldats. C’est en fait une troupe menée par Guy, le comte de Ponthieu, qui emmène Harold comme otage.

2 – Harold est emprisonné par Guy de Ponthieu

HAROLD ; HIC APPREHENDIT WIDO HAROLDUM « Harold ; ici Guy se saisit de Harold »

Un anglais parvient à s’échapper, et court prévenir Guillaume, duc de Normandie (3), qui apparaît ici pour la première fois. Ce dernier envoie des messagers vers Guy lui demandant de relâcher leur prisonnier.

Selon le chroniqueur Guillaume de Poitiers, le duc de Normandie aurait payé une rançon considérable pour la libération du comte de Wessex.

À partir d’ici, les français sont figurés avec la nuque rasée.

La tapisserie nous montre ensuite Guillaume et Harold chevauchant tous deux, un faucon à la main, en direction du palais ducal à Rouen (4).

Après cette étape, ils partent ensemble en campagne militaire contre le duc de Bretagne. La tapisserie illustre à cette occasion le Mont-Saint-Michel au loin (5), et Harold sauvant deux hommes des sables mouvants.

3 – Guillaume le conquérant – première apparition

HIC VENIT NUNTIUS AD WILGELMUM DUCEM

« Ici vint un messager trouver le duc Guillaume »

4 – Harold et Guillaume chassent

HIC WILDO ADDUXIT HAROLDUM AD WILGELMUM NORMANORUM DUCEM (texte tronqué) « Ici Guy amena Harold à Guillaume, duc des normands »

5 – Harold et Guillaume – Mont-Saint-Michel

HIC WILLEM DUX ET EXERCITUS EIUS VENERUNT AD MONTEM MICHAELIS (tronqué) « Ici le duc Guillaume et son armée vinrent au Mont st-Michel »

ET HIC TRANSIERUNT FLUMEN COSNONIS. HIC HAROLD DUX TRAHEBAT EOS DE ARENA « et ici ils traversèrent la rivière Couesnon. Ici le duc Harold les tirait du sable »

Après les batailles victorieuses de Dol et Dinant, on retrouve Harold prêtant serment en présence de Guillaume, assis en seigneur (6). C’est le point culminant de l’histoire. C’est le signe que Harold se reconnait comme vassal de Guillaume. Il sera accusé de parjure quand il sera sacré roi d’Angleterre, alors qu’il avait juré fidélité à Guillaume qui était prétendant à ce trône.

6 – Harold prête serment

UBI HAROLD SACRAMENTUM FECIT WILLELNO DUCI « Où Harold prête serment au duc Guillaume »

Après des motifs relatant le retour de Harold en Angleterre et sa dernière entrevue avec Édouard le Confesseur, la tapisserie nous raconte la mort du souverain (7).

Cette section nous montre le roi dans son palais, à la fois agonisant à l’étage et au moment de son trépas au rez de chaussée.

En haut, le roi est assis, soutenu par un serviteur pendant que sa femme semble prostrée derrière.

Il est face à Harold, dans une position où leurs doigts se touchent, sans doute pour symboliser le don qu’Édouard fait de son royaume.

En dessous le souverain repose allongé dans un linceul.

L’image suivante (8) nous montre Harold trônant en majesté, paré des attributs de la royauté, l’évêque Stigant officiant à ses côtés.

À l’extérieur du bâtiment où a lieu le couronnement, un groupe attire l’attention sur l’étoile filante dans le ciel (9). Il s’agit de la comète de Halley dont les chroniques de l’époque nous confirment la visibilité dans le ciel d’Angleterre entre avril et mai 1066.

Le conteur a-t-il choisi d’illustrer cet évènement en guise de (mauvais) présage ?

7 – Mort d’Édouard le confesseur

HIC EADWARDUS REX IN LECTO ALLOQUITUR FIDELES « Ici le roi Édouard au lit s’adresse à ses fidèles »

ET HIC DEFUNCTUS EST « Et ici il mourut »

8 – Couronement de Harold

HIC DEDERUNT HAROLDO CORONAM REGIS « Ici ils donnèrent à Harold la couronne de roi »

9 – Comète de halley

ISTI MIRANT STELLA « Ils regardent avec étonnement une étoile. »

On apporte à Guillaume la nouvelle de l’accession d’Harold au trône (10).

On sait que lorsque Harold rompit son serment en se faisant couronner à la place de Guillaume, ce dernier porta plainte auprès du pape.

En effet, la version normande assure qu’Harold avait juré sur les saintes écritures, ce qui lui vaut une excommunication pour parjure.

Ainsi, la campagne de Guillaume prend des allures de guerre sainte.

10 – Nouvelle du couronement de Harold rapportée à Guillaume

HIC WILLELM DUX IUSSIT NAVES EDIFICARE « Ici le duc Guillaume ordonna de construire des bâteaux »

Apprenant la trahison, Guillaume ordonne la construction d’une flotte pour passer en Angleterre avec son armée. La tapisserie nous décrit (11) la fabrication des embarcations : on coupe les arbres, on équarrit les planches. Ces scènes sont très détaillées et nous aident à comprendre l’utilisation des outils de l’époque.

Dans la nuit du 27 au 28 septembre 1066, les embarcations normandes, avec figures de proues et voiles carrées rappelant les drakkars, prennent la mer (12).

11-Tapisserie de Bayeux – Préparation au départ

12 – La flotte traverse la manche

Une fois débarquée et installée à Hastings, l’armée festoie (13).

À gauche, des hommes se font servir de la viande rôtie à la broche. Ils sont assis à une table improvisée, qui semble formée de boucliers.

Un sonneur de cor appelle les invités.

À droite, dans une scène qui rappelle beaucoup le dernier repas du Christ, l’évêque Odon, par ailleurs frère de Guillaume, prononce un bénédicité.

Un serviteur apporte un bol et une serviette, sans doute pour le rinçage des doigts.

13 – Repas après installation du camp à Hastings

HIC FECERUNT PRANDIUM (tronqué) « Ici ils firent un repas »

ET HIC EPISCOPUS CIBUM ET POTUM BENEDICIT « Et ici l’évêque bénit la nourriture et la boisson »

Les troupes normandes incendient une maison (14). La dévastation de la campagne avoisinante est attestée dans les chroniques de Guillaume de Poitiers. C’est l’une des raisons qui hâtèrent le retour du roi dans le sud et l’affrontement des deux armées.

En effet, au moment du débarquement normand sur les côtes anglaises (tiens, tiens 😉 ) Harold était occupé dans la partie nord du pays à repousser une invasion norvégienne qui avait opportunément attaqué l’Angleterre au même moment.

Sans doute Harold a-t-il commis ici une erreur tactique. Il aurait eu tout intérêt à laisser Guillaume et son armée attendre dans cette région inhospitalière au lieu venir immédiatement s’exposer.

La bataille s’engage (15). La cavalerie normande charge l’amée anglaise.

Dans la frise supérieure, on peut observer des scènes à première vue insolites, composées de personnages tous nus. Un homme, probablement anglais puisqu’il porte des moustaches, semble faire des avances à une femme toute aussi déhabillée. Certains spécialistes ont imaginé ici l’évocation d’une fable, appelée « La veuve et le soldat ».

14 – Dévastation de la campagne anglaise par les troupes normandes

HIC DOMUS INCENDITUR « Ici une maison est brûlée »

15 – Départ de l’armée normande

HIC MILITES EXIERUNT DE HESTENGA ET VENERUNT AD PRELIUM CONTRA HAROLDUM REGEM (texte tronqué) « Ici les soldats sortirent de Hastings et allèrent au combat contre Harold »

Les combats suivent leur cours sanglant (16). Les épées et les haches s’agitent, les chevaux culbutent dans une scène que l’artiste rend très dynamique.

C’est un vrai carnage qui occupe cette fois la frise du bas où les cadavres jonchent le sol.

16 – Rencontre des deux armées

HIC CECIDERUNT SIMUL ANGLI ET FRANCI IN PRELIO (tronqué) « Ici français et anglais succombèrent en même temps pendant le combat »

Harold est atteint par une flèche qui lui transperce l’œil (17). C’est ainsi qu’il périt sur le champs de bataille.

La dernière illustration de la tapisserie évoque la fuite des anglais défaits, poursuivis par leurs ennemis. L’un d’eux regarde avec appréhension par-dessus son épaule, tandis qu’un autre semble se retirer une flèche de la tête.

17 – Mort d’Harold

HIC HAROLD REX INTERFECTUS EST

« Ici le roi Harold fut tué »

18 – Les anglais prennent la fuite

ET FUNGA VERTERUNT ANGLI « Et les anglais prirent la fuite »

Si importante qu’elle fut, la bataille de Hastings ne dura qu’une seule journée.

Selon certains spécialistes, la scène finale serait manquante de la tapisserie. Elle représenterait l’avènement de Guillaume sur le trône d’Angleterre qui eut lieu à Londres deux mois plus tard, scellant ainsi le destin des deux nations pendant les quatre siècle suivants.

A propos de la tapisserie de Bayeux...

Réalisée dans le sud de l’Angleterre à la fin du XIe siècle, la tapisserie de Bayeux est signalée pour la première fois en 1476 dans l’inventaire de Notre-Dame de Bayeux.

Son tissage est assez fin, puisqu’il est composé de 18 ou 19 points par cm :

Points de tige pour les lettres
Points lancés et couchés pour les éléments linéaires, les contours et les parties pleines

Cinq couleurs principales sont employées :

Rouge brique, bleu-vert, vieil or, vert olive et bleu, plus deux autres couleurs occasionnelles : bleu sombre /noir et vert cendré. Beaucoup de réparations furent exécutées avec du jaune clair, orange et vert clair.

La tapisserie reste une source précieuse et sans elle notre documentation sur l’histoire de la conquête normande serait beaucoup plus pauvre. Elle dresse un compte rendu extrêmement vivant de cet épisode de l’histoire dont on peut recouper la version avec les autres sources de l’époque :

« Anglo-saxon chronicle »
7ème livre des « hauts faits des ducs de Normandie » écrit par Guillaume de Jumièges (qui affirme qu’Harold fut tué au début et non à la fin de la bataille)
« Hauts faits de Guillaume duc des normands et roi des anglais » de Guillaume de Poitiers : récit qui expose les faits du point de vue des normands, rendant la conquête légitime
Une hagiographie appelée « la vie du roi Édouard le confesseur »

En 1803, elle quitte la Normandie pour la première fois afin d’être exposée à Paris à la demande de Napoléon Bonaparte, sans doute dans le cadre d’une campagne de propagande destinée à préparer l’invasion de l’Angleterre.

Ce n’est qu’en 1944 que la tapisserie rejoint Bayeux. Elle est exposée depuis 1983 dans le musée de la tapisserie de Bayeux, où près de 400 000 visiteurs entrent chaque année.

La tapisserie fut inscrite au Registre Mémoire du monde de l’UNESCO en 2007.

En 2020, pour la première fois, elle franchira en principe la Manche et partira au Royaume-Uni. L’Elysée a accepté de prêter cette œuvre iconique.

Mais attention, la tapisserie «est un objet patrimonial extrêmement fragile qui fera l’objet de travaux de restauration très importants» avant de pouvoir envisager tout transport. Si ce prêt est envisagé, c’est également parce que le musée de Bayeux sera fermé au public pendant plusieurs mois pour travaux.

Repères

1027 : Naissance de Guillaume à Falaise
1064 : Serment de Harold Godwinson
14 octobre 1066 : Bataille de Hastings
2 décembre 1066 : Guillaume est couronné roi D’Angleterre
1087 : Mort de Guillaume le conquérant à Rouen
1472 : Première mention de la tapisserie dans l’inventaire de la cathédrale de Bayeux

Pour en savoir plus sur la tapisserie de Bayeux :

Composition graphique de la tapisserie de Bayeux

Intégralité de la tapisserie de Bayeux en images

Pour en savoir plus sur La bataille de Hastings

Hastings et ses conséquences (vidéo)

Biblio :

« La Tapisserie de Bayeux » de David MacKenzie Wilson

« Guillaume le Conquérant » de Henry Gilles

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La bataille de Marignan : une propagande (bien) exécutée par Fragonard

kudchouette — Sun, 17 Dec 2017 14:48:25 +0000

La bataille de Marignan : une propagande (bien) exécutée par Fragonard

Titre :	La bataille de Marignan
Auteur :	Alexandre Evariste Fragonard
Technique :	Huile sur toile
Dimensions :	4.65 m x 5.43 m
Année :	1836
Conservation :	Château de Versailles – galerie des batailles

La bataille de Marignan en chiffres

Soldats français

morts

heures de combats

panache blanc

Une date est ancrée dans notre mémoire collective : 1515 – prononcez « quinze-cent-quinze » – surgissant comme un automatisme à l’appel du mot-clé « MARIGNAN ». Mais de quoi s’agit-il exactement ? Quels étaient les acteurs de cette célèbre bataille, et pourquoi s’affrontaient-ils ? Et surtout, pourquoi l’histoire voulut qu’on s’en souvienne ?

PETIT RAPPEL : Marignan est une bataille des guerres d’Italie initiées par les rois de France à la fin du XV^ème siècle.

Les hostilités s’étalèrent sur 11 épisodes pendant plus de 60 ans durant les règnes de Charles VIII, Louis XII, François Ier et Henri II.

Guerres d’Italie : épisodes I à IV

A la fin du XV^ème siècle, l’Italie est morcelée en une multitude d’entités : les Duchés de Milan et de Savoie, les royaumes de Sicile ou de Naples, les républiques de Venise, Florence, Gênes ou encore l’état pontifical de Rome.

Certaines de ces provinces aiguisent les appétits expansionnistes de plusieurs souverains français, qui tentent alors de faire valoir leurs droits héréditaires dessus.

C’est Charles VIII qui amorce en 1494 la première des guerres d’Italie. Il réclame le trône de Naples, ancienne possession de la maison d’Anjou (dont les rois de France sont les légataires), désormais aux mains de la couronne d’Aragon.

Charles mène une campagne réussie jusqu’à Naples pendant trois ans mais il reperd en fin de compte ses nouvelles possessions face à une forte coalition anti-française fomentée par le pape Alexandre VI.

Louis XII lui succède en 1498 et il est tout aussi déterminé que son cousin à faire valoir ses droits. Il convoite non seulement le royaume de Naples, mais aussi le duché de Milan qu’il estime tenir de sa grand-mère. Il enchaîne des expéditions italiennes avec succès pendant une dizaine d’années et conquiert Milan, Gênes, Bologne et Naples.

Mais une ligue européenne se constitue contre l’encombrant roi de France, qui est finalement contraint d’évacuer l’Italie et de mettre fin à ses ambitions transalpines en 1513.

Guerres d’Italie sous les règnes de Charles VIII et Louis XII

Outre les raisons de succession revendiquées par Charles VIII et Louis XII pour ces expéditions en Italie, c’est aussi l’intérêt économique que représente ces contrées qui motive les rois de France à s’y intéresser d’aussi près.

Guerres d’Italie : François contre-attaque

En 1515, Louis XII meurt sans héritier mâle, et c’est à son gendre que revient la couronne. François I^er monte sur le trône à tout juste 20 ans. Fidèle au modèle de ses prédécesseurs, il se lance à son tour dans le rêve italien.

C’est le Duché de Milan qu’il convoite en premier lieu. Pour sécuriser ses arrières, il s’assure tout d’abord que le jeune roi d’Angleterre Henri VIII et le prince des Pays Bas (futur Charles Quint) n’interviendront pas. Enfin, François s’allie avec la Sérénissime République de Venise, éternelle rivale de Milan.

Sforza, le Duc de Milan, est de son côté épaulé par la Confédération Suisse. L’empereur Maximilien Ier et le pape Léon X sont aussi sensés défendre le duché, mais ils restent occupés à guerroyer sur d’autres territoires. En vérité, seuls les suisses sont prêts à honorer leur engagement.

François se prépare tout de même à une forte opposition et recrute 15000 mercenaires allemands : les lansquenets. Au moment de passer en Italie avec son armée, il décide contre toute attente de franchir les monts plutôt que de traverser la Savoie, où ses ennemis possèdent des garnisons. Il progresse donc par le col de Larche, situé plus au sud, où, dit-on, il fallu construire la route au fur et à mesure de l’avancée des 30 000 hommes constituant l’armée française.

Outre les lansquenets, les effectifs sont composés de nombreux cavaliers lourdement cuirassés, d’une infanterie de mercenaires gascons et basques ainsi que d’une artillerie à la pointe de la modernité dont les canons sont réputés précis et maniables.

François I^er

par Jean Clouet | 1530 | Musée du Louvre

François, appartenant à une branche cadette des Valois n’est en principe pas destiné à régner. Héritier présomptif, il est le petit cousin de Louis XII et devient son gendre par son mariage avec Claude de France.

Notons que Louis XII avait d’abord fiancé sa fille avec le futur Charles Quint, s’alliant ainsi à l’empire de Maximilien Ier (grand-père de Charles Quint), dans le but d’obtenir un soutien considérable pour son investiture à la tête du duché de Milan.

Marignan, bataille de géants et bain de sang

Le 10 septembre 1515, les troupes du roi de France gagnent la petite ville de Marignan (aujourd’hui appelée Melegnano), située à une douzaine de kilomètres au sud de Milan.

Les confédérés suisses sont déjà entrées dans la cité de Milan et se préparent sérieusement. Leur cavalerie est succincte et leur artillerie quasiment inexistante – à peine une dizaine de canons. En revanche ils disposent d’une infanterie conséquente et puissante dont les piquiers sont armés de très longues lances afin de tenir l’ennemi à distance.

Le 13 septembre en début d’après-midi, les guetteurs français aperçoivent un nuage de poussière au loin, indiquant que l’ennemi attaque et qu’il avance rapidement. Il reste moins d’une heure à François et ses soldats pour se préparer au combat.

Les confédérés entendent mener une attaque éclair, en cassant les lignes avant composées de lansquenets pour ensuite s’emparer de l’artillerie française. Dès les premières heures, c’est la débâcle au sein des mercenaires allemands dont la plupart prennent la fuite. Sentant venir le désastre, le roi quitte sa position d’observateur et décide d’aller soutenir l’avant-garde. Il réussit à négocier avec les lansquenets allemands leur maintien dans les rangs et file ensuite protéger l’artillerie.

Petit à petit la tendance s’inverse et les suisses commencent à reculer. Mais bientôt, à force de poussière soulevée, de fumée de canons et surtout à cause de l’obscurité, on ne se distingue plus rien sur le champs de bataille. Pendant des heures on combat à l’aveugle, jusqu’à ce qu’enfin le clairon français sonne le rappel vers minuit. François décrit en ces termes cette courte et absurde nuit :

« Les Suisses se logèrent bien près de nous, si bien qu’il n’y avait qu’un fossé entre nous deux. Toute la nuit, nous demeurâmes le cul sur la selle, la lance au poing.»

Le roi et son contingent profitent de la trêve pour repenser leur stratégie bien mal engagée. Ils reorganisent les rangs en arc de cercle de façon à enfermer les suisses. Ils creusent aussi des tranchées supplémentaires et déplacent l’artillerie.

Le soleil à peine levé, les helvètes fondent de nouveau sur les français qui, malgré les remaniements, se retrouvent de nouveau en mauvaise posture.

Mais alors que les suisses ne peuvent compter sur aucun soutien extérieur, la France elle, attend l’aide promise par la République de Venise.

Après avoir marché toutes la nuit, les vénitiens s’abattent sur l’armée des confédérés. Complètement épuisés, ceux-ci tentent en vain de se reformer pour être finalement mis en déroute définitivement.

Après plus de 16 heures de combats, la retraite est sonnée à 11h le matin du 14 septembre.

La bataille de Marignan, le bilan

Jamais aucune bataille de l’histoire de France, n’avait été si meurtrière. On parle de 16 000 morts en tout, du jamais vu. Trois jours furent nécessaires pour ensevelir tous les cadavres.

Après cette victoire, François Ier connaît un véritable état de grâce : Le pape Léon X est le premier à signer la paix et la fin des hostilités est également signée avec les Habsbourg. Les suisses quand à eux s’engagent à ne plus jamais servir les ennemis de la couronne française. C’est la « paix perpétuelle » et l’embryon de la fameuse neutralité suisse. En 1516, la guerre est terminée. C’est la fin du cinquième épisode des guerres d’Italie. Mais un sixième opus est en préparation.

En 1519, la mort de Maximilien ouvre la succession à la couronne impériale et Charles Quint, son petit fils, est en compétition avec François Ier pour se faire élire à la tête du Saint Empire germanique. Le Français ne réussi pas à acheter assez d’électeurs et s’incline.

En 1521, le nouvel empereur décide de former une alliance contre la France avec la participation de Léon X et Henri VIII. Les conflits reprennent de plus belle en Lombardie où les français sont à nouveau chassés de Milan. L’épisode s’achève avec la défaite du roi de France à Pavie en février 1525 et son emprisonnement pendant un an dans les geôles espagnoles.

Bataille de Pavie en 1525

Cette bataille marque la défaite de la France dans sa volonté de domination sur l’Italie. Non seulement François Ier est capturé mais la plupart des cadres de l’armée tombent au combat. C’est une humiliation militaire et politique pour le roi. Pour sa libération, il est contraint de céder la Bourgogne, l’Artois et la Navarre à Charles Quint et de laisser ses deux jeunes fils en otages aux espagnols.

La propagande Marignan du XVI ème siècle

C’est justement suite à l’évènement si désastreux de la déculottée de Pavie que les conseillers du roi décident qu’il aurait besoin d’un peu de publicité pour redorer son blason. Ils choisissent de remettre en avant sa seule victoire : Marignan.

Habilement, ils font appel à un médecin et auteur lyonnais proche de la cour, Symphorien Champier, pour ressusciter une vaillante figure (presque) oubliée du peuple : le Chevalier Bayard.

Dans une biographie publié en novembre 1525, Champier romance à l’extrême tous les hauts faits attribués au brave chevalier. Mais surtout, il invente une anecdote supplémentaire : l’adoubement de François Ier par Bayard quelques heures après la bataille de Marignan.

Le lyonnais met ainsi en valeur l’humilité du souverain et son amitié avec un héros qu’il aurait comblé d’honneur en se faisant armer chevalier par lui. Cette histoire crée aussi une filiation entre le preux chevalier et le jeune roi. Inutile de préciser que nulle mention de cette parenthèse n’existe avant l’ouvrage de Champier.

Pari gagné puisque le texte rencontre un grand succès dès sa parution.

Le courageux Bayard appartient désormais à la postérité et la royauté sut par la suite se rappeler avec opportunisme du mythe de l’honorable gentilhomme.

Adoubement de François I^er par Bayard

La vie de Bayard – Gravure de 1525

Illustration tirée de la première édition de l’ouvrage de Symphorien Champier. Notez les deux boulets de canon qui passent au-dessus de leurs têtes.

François 1^er armé chevalier par Bayard

Louis Ducis | 1817 | Château de Blois

La propagande Marignan du XIX ^ème siècle

Au XIX ^ème siècle, pendant la monarchie de juillet Louis-Philippe cherche à rétablir une sorte de continuité monarchique sans se replacer pour autant dans les pas de Louis XVI.

En 1833, le dernier roi des français décide de transformer le Château de Versailles en musée de l’histoire de France et de créer la fameuse galerie des batailles.

Dans une salle de 120 mètres de long, il compte exposer au public une sélection de tableaux de grands formats, représentant les événements militaires ayant « fait » l’histoire de France.

La popularité du chevalier Bayard de François Ier n’ont pas diminué et pousse Louis-Philippe à sélectionner la Bataille de Marignan comme l’une des 33 glorieuses batailles de la nation.

La mode est au style pictural « troubadour » qui tente de reconstituer une atmosphère médiévale à travers la représentation d’événements historiques. De nombreux artistes adhèrent à ce mouvement, notamment Alexandre Évariste Fragonard. C’est à lui que le gouvernement passe commande pour la réalisation d’une toile sur la bataille de Marignan.

Louis-Philippe en 1841

par Franz Xaver Winterhalter

Louis-Philippe inaugure la galerie des batailles

le 10 juin 1837, tableau de François-Joseph Heim

« La bataille de Marignan » par Fragonard

Lors de sa présentation en 1836, le tableau fut sévèrement critiqué. Les chroniqueurs lui reprochent son manque de réalisme. Fragonard doit reprendre le sol qu’il avait parsemé de gazon verdoyant, pour le transformer en terre ocre et poussiéreuse.

Au centre de la scène, François Ier, empanaché de blanc, est juché sur un destrier immaculé. D’un geste doux mais impérieux, il empêche la poursuite des ennemis, attitude mettant en valeur sa compassion. La posture du roi n’est pas sans rappeler celle de Napoléon Bonaparte dans La bataille d’Eylau peint par Antoine-Jean Gros en 1808.

Devant le roi, un autre acte se déroule : un soldat supporte un officier blessé. Tout près, un troisième homme semble déjà mort, il serre un étendard blanc dans sa main.

A droite, des combattants de l’armée adverse se sont arrêtés pour regarder la scène et semblent même la commenter. Cette scène évoque probablement le moment où le comte de Guise, colonel général des lansquenets, fut grièvement blessé. Le corps inerte du fantassin est sans doute celui de son fidèle écuyer Adam Nuremberg, ce dernier s’étant sacrifié pour son maître. On raconte que le comte fut désarçonné pendant une charge et que Nuremberg le protégea du piétinement avec son propre corps.

En arrière plan, on observe les deux armées qui continuent à s’affronter. On distingue les Français qui chargent et les confédérés leur faisant face, lance au poing.

En sélectionnant cette œuvre, Louis-Philippe protégeait le souvenir de François ^Ier et reconnaissait Marignan comme un événement majeur du roman national, au même titre que Poitiers, Bouvines ou Austerlitz.

Mais depuis la V^ème république, la France n’a plus d’ambition expansionniste et tente d’oublier son passé impérialiste. Les historiens nous ont laissé le souvenir de Marignan tout en occultant les tenants et aboutissants. C’est pourquoi nous connaissons la date sans avoir vraiment l’explication.

Aujourd’hui, le mythe du Chevalier Bayard, sans peur et sans reproche, est relégué à la littérature jeunesse, quant à François Ier, il est désormais perçu comme esthète amoureux des arts à qui l’on a gommé toute velléité militaire.

Un petit rappel du contexte historique est parfois nécessaire.

A propos d'Alexandre Évariste Fragonard...

Né en 1780 à Lausanne, le fils du célèbre Jean-Honoré Fragonard sut s’illustrer également dans la peinture et notamment dans le courant pictural troubadour du début du XIX ^ème siècle.

Il fut non seulement l’élève de son père mais également celui de Jacques-Louis David auquel son style doit beaucoup. Il expose régulièrement et honore de nombreuses commandes de tableaux historiques.

Repères

1494 : Charles VIII initie la première guerre d’Italie
1498 : Louis XII succède à Charles VIII et conquiert Milan et Naples
1513 : Retrait des troupes de Louis XII
1515 : Avènement de François Ier
13 septembre 1515 : Bataille de Marignan
1525 : Bataille de Pavie, François Ier est fait prisonnier
1837 : Inauguration de la galerie des batailles à Versailles dans laquelle est exposée la bataille de Marignan par Alexandre Évariste Fragonard

Pour en savoir plus sur Alexandre Évariste Fragonard et son œuvre :

Pour en savoir plus sur la bataille de Marignan :

Biblio :

« Marignan – 13 – 14 septembre 1515 » de Didier le Fur

« François 1er, le roi-chevalier » de Sylvie Le Clech

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La mosaïque d’Alexandre le Grand, trésor de Pompéi

kudchouette — Tue, 12 Sep 2017 15:58:33 +0000

La mosaïque d’Alexandre le Grand, trésor de Pompéi

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Titre :	La mosaïque d’Alexandre
Auteur :	Anonyme
Technique :	Mosaïque
Dimensions :	5.82 m x 3.13 m
Année :	~ II ^ème siècle av. J.C.
Conservation :	Musée national de Naples

La mosaïque d’Alexandre en chiffres

de tesselles

m2

couleurs

rois

arbre

La mosaïque d’Alexandre a été découverte sur le site de Pompéi en 1831 et c’est sans doute la mosaïque antique la plus complexe jamais trouvée. Elle représente l’affrontement entre Alexandre le Grand et Darius III, qui se serait déroulé en 333 av. J.C. à Issos.

À travers cette œuvre, on réalise la fascination qu’a exercée la personnalité d’Alexandre sur le monde romain.

Il faut dire que son destin fut aussi hors du commun que fulgurant.

Contexte historique de la Grèce antique avant Alexandre

Dans l’antiquité, la Grèce n’existe pas réellement en tant que pays, mais plutôt comme une communauté de villes partageant la même culture et la même langue.

Ces nombreuses cités-états – pour la plupart dirigées par leurs propres citoyens – restent indépendantes les unes des autres et sont même souvent rivales.

Au nord du territoire, la Macédoine – patrie d’Alexandre le Grand – est un royaume, et ses habitants ne sont pas considérés comme des grecs à part entière. Leurs voisins les trouvent barbares, se moquent de leur organisation et de leurs coutumes.

A partir du V^ème siècle av. JC, l’Empire Perse, déjà gigantesque, cherche à agrandir encore davantage son territoire, notamment pendant les guerres Médiques.

Tirant avantage des conflits opposant les cités helléniques, les perses grignotent du terrain. Ils s’emparent petit à petit des villes grecques d’Asie mineure et font progresser leurs frontières jusqu’en Grèce continentale.

Le monde grec pendant les guerres médiques

Les principaux épisodes des guerres médiques sont les deux expéditions perses destinées à assouvir l’appétit expansionniste des rois Darius Ier et Xerxès Ier, son fils.

Elles sont marquées notamment par la bataille de Marathon en 490 av. JC, le sacrifice des 300 spartiates à Thermopyles et la victoire de la coalition grecque en 480 av. JC entraînant la retraite de Xerxès.

Les grecs et les perses restèrent à couteaux tirés pendant les deux siècles suivants, jusqu’à ce qu’Alexandre le Grand vienne régler définitivement le conflit.

La grandeur d’Alexandre commence avec l’œuvre de son père

Philippe II, le père d’Alexandre devient roi de Macédoine en 356 av. JC. Il hérite d’un petit pays, faible, désorganisé et cerné d’ennemis.

Grâce à une intelligence remarquable et une grande habileté politique et diplomatique, il réussit pendant son règne à éloigner les menaces de son royaume.

Il transforme l’armée macédonienne en une force redoutable. Agrandissant considérablement son territoire, il fait plier les cités grecques les plus récalcitrantes dans le but de pacifier et surtout de dominer la zone.

En 338 av. JC, Philippe invite à Corinthe l’ensemble des cités grecques afin d’élaborer un traité de paix et de coopération dont il se fait élire « hègémôn » (autrement dit : le chef !) chargé de veiller sur cet accord. Enfin, un ennemi commun est désigné : la Perse bien sûr !

Philippe II, contrôlant dorénavant ses arrières en Grèce, projette de frapper rapidement Darius III, le nouveau « Grand Roi » des perses. En 336 av. JC, les préparatifs de sa future expédition sont achevés. Alors qu’il célèbre le mariage de sa fille juste avant son départ pour l’Asie, il est poignardé mortellement par Pausanias, un noble macédonien.

Philippe II de Macédoine, père d’Alexandre le Grand

Buste en argent | IV ème siècle av. JC

Dès le début de son règne, il transforme radicalement l’armée macédonienne, en perfectionnant l’entraînement des soldats et en les équipant du meilleur armement. Il dote l’infanterie de sarisses, ces lances de plus de 5 mètres de long que l’on peut observer sur la mosaïque.

La jeunesse d’Alexandre

Alexandre a 20 ans lorsqu’il succède à son père, et déjà , il possède une aura mythique.

Sa mère Olympias, fille du roi des Molosses (ça ne s’invente pas), est une personnalité violente, mystique et radicale. Elle faisait remonter les origines de sa famille à Achille, le héros homérique de l’Illiade.

Elle racontait par exemple, avoir engendré son fils avec le concours de Zeus, ce dernier l’ayant fertilisée par la foudre.

Alexandre naît en 356 av. JC à Pella, alors capitale de la Macédoine.

Dès 7 ans, il est arraché au gynécée et confié à Leonidas, un précepteur sévère qui l’entraîne aux fatigues et à l’austérité.

A partir de 13 ans, c’est le grand Aristote qui prend en main l’éducation d’Alexandre et éveille son goût pour la réflexion philosophique et la poésie. On relate qu’il savait réciter Homère par cœur.

En 340 av. JC, Philippe part en campagne et confie la régence du royaume à Alexandre. Ce dernier n’a que 16 ans.

Selon la tradition macédonienne, fils de roi et fils de nobles sont élevés ensemble et restent soudés, formant une sorte de clan. Ainsi, Héphaïstion, Ptolémée, Néarque entre autres, compteront parmi ses compagnons les plus proches pendant toute leur vie. Ils feront notamment partie de sa garde rapprochée sur les champs de batailles durant la conquête.

L’avènement d’Alexandre

En 336 av. J.C., donc, il devient Alexandre III, roi de Macédoine.

D’autres que lui pourraient fragiliser sa légitimité au trône : demi-frères, neveux et autres cousins. Il les élimine avec l’aide de sa mère, la redoutable Olympias. On raconte que celle-ci aurait poussé la dernière épouse de Philippe (il en avait 7 en tout), à jeter son nouveau-né dans les flammes et à se pendre ensuite.

Certaines cités, dont Athènes et Thèbes se révoltent, refusant de reconnaître Alexandre comme leader de la ligue panhellénique rassemblée par Philippe. Il règle diplomatiquement la plupart des rebellions mais Thèbes refuse tout compromis. Alexandre rase alors la ville. Ça ne rigole plus.

En 334 av. J.C., toute la Grèce marche au pas, il est tant pour lui de foncer sur la Perse.

Aristote

Buste en albâtre | Ier siècle, d’après un original grec de Lysippe

Mosaïque de la chasse au lion

Musée de Pella | IV ème siècle av. JC

Motif représentant très certainement Alexandre et son ami Hephaïstion.

Premier choc des armées perse et grecque à Granique

Alexandre confie la régence de la Macédoine au général Antipater – un fidèle de la famille – et dirige son armée vers les Dardanelles, seul passage vers l’Asie encore contrôlé par les grecs.

Les troupes perses sont infiniment supérieures en nombre (selon les sources, de 100 000 à 600 000 hommes !) par rapport à l’armée d’Alexandre, qui ne compte en tout que 35 000 soldats.

De plus, Darius dispose de ressources financières quasi illimitées. Pour toutes ces raisons, le Grand Roi, ne juge pas nécessaire de mobiliser la totalité de ses forces lorsque les grecs attaquent Granique. Lui-même ne se déplace pas. Mais il a sous-estimé la tactique, l’audace et la cohésion des effectifs d’Alexandre.

C’est la déroute pour les perses.

Cette première grande victoire offre à Alexandre les trésors des villes de Sardes et Dascylion, qui apportent une aide considérable pour la poursuite des opérations.

La particularité d’Alexandre est de ne pas modifier l’organisation des territoires conquis, et ce sera une constante chez lui. Même si les responsabilités des régions soumises reviennent à des grecs ou des macédoniens, les perses se conduisant docilement sont bien traités.

Il poursuit son action sur la côte et libère les cités grecques d’Asie, puis, remonte au nord pour passer l’hiver à Gordion, histoire d’inscrire à sa légende le fameux épisode du nœud gordien.

Itinéraire d’Alexandre de -334 à -323

Alexandre tranchant le nœud gordien

Fedele Fischetti | XVIII ème siècle

Lorsque Alexandre arrive à Gordion, on lui présente le mythique char du roi Midas. Celui-ci est attaché à son timon par un nœud considéré comme inextricable. La légende prétend que celui qui défera le nœud deviendra le maître de l’Asie. Alexandre s’attaque au casse-tête en tranchant simplement le nœud gordien. C’est ainsi que la métaphore est restée dans l’histoire, en désignant un problème compliqué résolu de manière brutale.

La bataille d’Issos

Pendant cette percée, Darius prend enfin conscience de la menace. Il rassemble une armée surclassant la précédente et part à la rencontre d’Alexandre.

Engagé sur la côte nord de l’actuelle Syrie, le roi macédonien fait tomber un à un les ports de Méditerranée orientale. Darius décide de le prendre à revers pour ainsi lui couper toute retraite vers les territoires déjà conquis.

Prévenu de la manœuvre, Alexandre fait marche arrière et attaque l’armée du grand roi à Issos, dans une étroite plaine côtière fermée par la montagne et traversée par le fleuve Pinaros.

L’endroit est stratégique, l’avantage numérique des perses est inutile puisque qu’ils n’auront pas l’espace nécessaire pour se déployer. Ils doivent affronter de plein fouet le choc d’une armée macédonienne sur-motivée.

Parménion a le commandement de l’aile gauche – côté mer – Alexandre lui, se place à droite au pied des montagnes sur un terrain légèrement surélevé pour apprécier la situation de l’ennemi.

De l’autre côté du fleuve, Darius, juché sur son char se poste au centre du front.

Alexandre, avec le mépris du danger qui le caractérise, traverse le fleuve avec ses compagnons sous une pluie de flèches et réussit à enfoncer le flanc gauche de Darius. A la suite de ce succès, les fantassins macédoniens peuvent à leur tour passer le cours d’eau et refouler leurs adversaires.

Parménion, en difficulté cède du terrain à la cavalerie perse mais résiste.

C’est la débâcle pour l’armée perse. Darius abandonne son quadrige pour un cheval et s’enfuit à la faveur de l’obscurité naissante. Les grecs retrouveront son char dans lequel il a abandonné les insignes du pouvoir : manteau royal, bouclier et arc.

Situation des deux armées pendant la bataille d’Issos

L’identification du lieu grâce à l’arbre sec

Pour être honnête, la mosaïque représentant l’affrontement entre Alexandre et Darius pourrait représenter une autre bataille que celle d’Issos. Les deux souverains se sont affrontés deux fois en tout : à Issos en 333 av. JC et à Gaugamèles deux ans plus tard. Selon certains spécialistes, elle pourrait même représenter les deux batailles à la fois. Mais l’hypothèse la plus souvent retenue par les historiens reste qu’elle représente la bataille d’Issos.

La présence d’un arbre sec, seul élément de décors de la scène favorise cette option. Les sources arabes appellent cette fameuse bataille d’Issos « la bataille de l’arbre sec ». De plus, depuis l’antiquité, on évoque un arbre sec qui délimiterait l’orient et l’occident, ce qui correspondrait au site d’Issos.

L’Arbre sec, seul élément de décors de la mosaïque d’Alexandre

L’existence de cet arbre a paraît-il été rapportée plusieurs siècles plus tard par Marco Polo.

Une œuvre rescapée des vestiges de Pompéi

La découverte de Pompéi, détruite par le Vésuve en l’an 79 de notre ère, constitue une étape cruciale pour la compréhension de la Rome antique. Elle nous a fourni une image demeurée intacte de la vie dans l’antiquité, et surtout elle nous a offert des trésors inestimables parmi lesquels la mosaïque d’Alexandre.

Découverte le 24 octobre 1831 dans les vestiges de la cité romaine, elle ornait le sol de l’une des plus vastes demeures de la ville (3000 m2) : La maison du faune. La mosaïque aurait été installée dans l’exèdre, autrement dit la salle de réception, à la fin du IIème siècle av. JC.

Son exécution en revanche aurait été effectuée à l’étranger dans un atelier spécialisé, sans doute en Égypte à Alexandrie.

Enfin, information essentielle, la mosaïque aurait été inspirée d’une peinture antique aujourd’hui disparue, datant du IVème siècle av. JC, c’est à dire contemporaine d’Alexandre le Grand.

Réplique de la mosaïque dans la maison du faune

La mosaïque a été découverte en 1831 à cet emplacement précis dans la maison du faune à Pompéi. C’est aujourd’hui une réplique qui a remplacé la mosaïque originale, cette dernière étant conservée au musée national de Naples.

La mosaïque d’Alexandre, copie d’une illustre peinture antique

L’identité de l’artiste de ce tableau anime les exégètes depuis plusieurs décennies. La majorité l’attribue à Philoxène d’Érétrie.

Mais d’autres spécialistes évoquent Apelle, l’illustre peintre antique. C’est une hypothèse intéressante, car Apelle était un proche d’Alexandre. On rapporte qu’il était le seul peintre autorisé par le monarque à réaliser son portrait. Il est également connu pour ne jamais reproduire fidèlement la blancheur du teint d’Alexandre – ce qui est le cas dans la mosaïque où Alexandre apparaît hâlé. On peut aussi noter quelques autres éléments caractéristiques du style d’Apelle :

le courant artistique de la composition, reconnu comme celui de l’école de Sicyone, dont il était un adepte
l’utilisation de seulement 4 couleurs, technique employée par Apelle
la manière très fine dont sont tracés les lignes et les contours malgré la méthode des carreaux de mosaïque

Quoi qu’il en soit, on est certain que l’artiste mosaïste a copié scrupuleusement un chef d’œuvre antique. Il a utilisé pour cela la technique de l’opus vermiculatum (apparue au IIème siècle av. JC), procédé permettant d’obtenir une grande finesse dans le dessin en employant des tesselles n’excédant pas 3 mm de côté et pouvant former des lignes sinueuses.

On estime que la scène est composée d’environ 2 millions de tesselles de calcaire et de seulement 4 couleurs : blanc, noir, jaune et rouge.

Les incongruités du dessin expliquées

Une fois terminée, la mosaïque a due être transportée jusqu’à sa destination définitive et pour plus de commodité, on l’a partagée en deux parties. Vraisemblablement, le bord intérieur de la partie droite a été endommagé pendant le transfert, puis reconstitué une fois à Pompéi. Et il est justement intéressant d’observer plusieurs incongruités situées autour de cette ligne de démarcation :

Tout d’abord, un sabot de cheval (ou d’homme!) semble flotter dans la poussière et n’est relié à aucune sorte de patte (ou jambe !)
Un tronçon de lance perse apparaît entre l’équidé et le char mais n’est pas dans le prolongement de la lance qu’elle devrait continuer
Enfin, juste au-dessus, un fantassin perse est affublé d’une figure grossière qui n’a apparemment pas reçu la même subtilité de traitement que les autres visages de l’œuvre

Un autre élément intéressant de la composition est cette marge marron relativement épaisse (environ 12% de la hauteur du dessin) située en bas du motif, sur toute la largeur. On pourrait penser qu’il s’agit d’un rajout demandé par le propriétaire pour adapter la mosaïque aux dimensions de la pièce. Mais dans ce cas, pourquoi avoir rempli cet espace d’un monochrome sans intérêt ?

Une explication plausible serait que cet aplat représenterait une scène de théâtre. On a déjà remarqué cet effet dans plusieurs autres peintures antiques (ex : Médée s’apprêtant à tuer ses enfants ), dessinées elles aussi telles une pièce se déroulant sur une estrade similaire.

Une œuvre remplie de détails

L’œuvre serait donc ici représentée comme une scénographie racontant un moment décisif de la bataille.

Et c’est le moment où Alexandre enfonce les lignes ennemies. Il vient de transpercer de sa sarisse un cavalier perse. Darius tend une main désespérée vers le sacrifié et semble vouloir lui porter secours. Mais le conducteur du char lui, ne semble pas de cet avis et fouette les chevaux du quadrige pour prendre la fuite (piétinant au passage un homme à terre). Devant le char, un soldat descend de sa monture pour l’offrir à son roi en difficulté. Sous le char, on peut remarquer un autre soldat à terre observant sa propre mort dans le reflet de son bouclier.

L’auteur paraît estimer Darius et le montre dans une attitude courageuse. Pourtant, l’œuvre est toute à la gloire du héros macédonien, seul personnage représenté sans casque, comme invincible. Il revêt une armure étincelante dont le plastron porte l’effigie de Méduse, la gorgone, qui, selon la légende, pétrifiait ses ennemis d’un regard. Ce détail fait d’ailleurs écho au regard intense qu’Alexandre pose sur Darius.

Cette représentation d’Alexandre le Grand sur son cheval cabré est sans doute la première d’une longue série de figures équestres de souverains.

Après Issos

Après la bataille d’Issos, Alexandre le Grand affronta une nouvelle fois Darius à Gaugamèles deux ans plus tard pour une victoire décisive et définitive. Il poussa son armée jusqu’aux rives de l’Indus à l’est et jusqu’en Égypte au sud, se forgeant ainsi un empire démesuré.

Sa mort prématurée à Babylone en 323 av. JC précipita ce royaume fraîchement acquis dans un conflit terrible pour sa succession : la guerre des diadoques. Ses anciens stratèges (les diadoques, donc), s’entredéchirèrent pour cet héritage hors du commun.

C’est très certainement l’un des prétendants à ce trône convoité qui commanda le fameux tableau qui inspira notre mosaïque.

On pense le plus souvent à Cassandre, fils d’Antipater (souvenez-vous, Alexandre avait laissé à Antipater les reines de la Macédoine !). Cassandre pris soin d’éliminer Roxane, l’épouse d’Alexandre et son fils, né 3 mois après le décès de son père, ainsi qu’Olympias, la sulfureuse mère du héros. A force de complots, il emporta finalement le territoire de la Macédoine et la plupart des cités grecques.

On attribue aussi parfois la commande de l’œuvre originale à Ptolémée, autre compagnon d’Alexandre à qui revint le territoire situé entre l’actuelle Libye et la Syrie. Il fonda notamment la dynastie des Lagides qui régna sur l’Égypte jusqu’à la mort de Cléopâtre VII, sa célèbre descendante en 30 av. JC.

En somme, quels qu’aient été ses commanditaires ou créateurs, la mosaïque de la bataille d’Issos témoigne de la postérité d’Alexandre le grand, et de son souvenir persistant dans l’histoire de l’humanité.

Goethe avait trouvé le mot juste au sujet de cette œuvre d’exception :

« Présent et futur ne réussiront jamais à faire un juste commentaire de cette merveille de l’art, et nous devrons toujours revenir, après avoir étudié et expliqué, à la notion de merveille pure et simple »

A propos d'Apelle...

Apelle est un peintre grec ayant vécu au IVe siècle av. JC.

Selon Pline l’ancien, il est le maître absolu de la peinture antique.

Nous ne connaissons ses œuvres que grâce aux témoignages des chroniqueurs, car aucune n’est parvenue jusqu’à nous.

On lui attribue une fresque célèbre représentant « Vénus sortie des eaux », recopiée et retrouvée à Pompéi, la première toile allégorique « la calomnie », d’après un différend qui l’opposa à son rival, le peintre Antiphile, et enfin la peinture qui servit de modèle à la « mosaïque d’Alexandre ».

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Repères

356 av. JC : Naissance d’Alexandre à Pella
336 av. JC : Alexandre devient roi à la mort de son père
333 av. JC : Bataille d’Issos
323 av. JC : Mort d’Alexandre à Babylone
Fin du IV^ème siècle av. JC : Création du tableau représentant la bataille d’Issos
~ 120 – 100 av. JC : installation de la mosaïque dans la maison du faune
1831 : Découverte de la mosaïque d’Alexandre à Pompéi

Pour en savoir plus sur Apelle :

Apelle par Beulé

Pour en savoir plus sur Alexandre :

Site consacré à Alexandre le Grand

Pour en savoir plus sur Pompéi :

Reconstitution de Pompéi en 3D (maison du faune à 10’45) (en italien)

Biblio :

« Apelles – The Alexander mosaic » de Paolo Moreno

« Alexandre le Grand – Histoire et dictionnaire » de Olivier Battistini et Pascal Charvet

« Alexandre le Grand » de François Suard

« Pompéi : guide de la cité antique » de SalvatoreNappo

« Pompéi : la vie d’une cité romaine » de Mary Beard

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Guernica, Picasso et la guerre d’Espagne

kudchouette — Fri, 10 Mar 2017 10:18:48 +0000

Guernica, Picasso et la guerre d’Espagne

Titre :	Guernica
Auteur :	Pablo Picasso
Technique :	Huile sur toile
Dimensions :	3,49 m x 7,77 m
Année :	1937
Conservation :	Musée Reina Sofía de Madrid

Guernica en chiffres

morts

tonnes de bombes

heures de bombardement

personnages

visiteurs par jour

9 mois après le début de la guerre d’Espagne, l’armada aérienne de la Légion Condor décolla pour bombarder la petite ville de Guernica, jugée d’importance stratégique par les franquistes. Cette tragédie inspira à Picasso une œuvre monumentale, devenue aussi célèbre pour sa portée politique que pour sa savante composition cubiste. Elle demeure un symbole universel de paix et un réquisitoire contre les atrocités de la guerre. Mais l’interprétation précise des éléments qui la constituent reste extrêmement délicate.

Le contexte historique en Espagne avant la guerre civile

La guerre d’Espagne fut sans doute la conséquence d’une accumulation de tensions qui rendirent impraticable la coexistence pacifique de la gauche et de la droite.

Depuis le XIXe siècle déjà, des déséquilibres profonds restaient ancrés dans la société espagnole : inégalités sociales, disparités régionales, sans oublier un anticléricalisme fort qui s’opposait à une église catholique omnipotente.

Malgré la chute de la dictature de Miguel Primo de Rivera en 1930 et l’instauration de la II^ème république en 1931, dissensions et conflits politiques menaçaient la fragile démocratie. Quand les prolétaires aspiraient à la révolution, les officiers songeaient au putch. Pour maintenir un semblant d’équilibre et avec l’illusion de contenter tout le monde, le gouvernement essaya de mener une politique modérée et centriste, ce qui finalement mécontenta à la fois les conservateurs de droite et les militants anarcho-syndicalistes de gauche.

En 1934, la CEDA, fit son entrée au gouvernement après un succès électoral. Cette nouvelle coalition de droite avait ratissé large : des chrétiens démocrates aux fascistes en passant par les monarchistes. Les partis de gauche appelèrent à la rébellion. Plusieurs foyers insurrectionnels socialistes s’éveillèrent dans le pays. Dans les Asturies une révolte ouvrière fut réprimée dans le sang par l’armée dont un certain Francisco Franco était à la tête. Ce violent épisode creusa encore un peu plus le fossé entre les prolétaires et les militaires.

La révolte des Asturies en 1934

Le 6 octobre 1934, en protestation au gouvernement de la CEDA, les miniers de la régions des Asturies entament une grève qui va rapidement dégénérer en affrontement. Le pouvoir décide d’envoyer les troupes espagnoles d’Afrique, avec le général Franco à leur tête pour stopper l’insurrection. La répression sera sanglante et l’on se souviendra de cet épisode comme de la « commune asturienne ».

Février 1936 : victoire du frente popular

Les élections de février 1936 furent remportées de justesse par le front populaire de gauche avec l’appui des communistes et des anarchistes. Le nouveau gouvernement tenta de mener les réformes sociales promises, mais le climat restait difficile. Des deux côtés les esprits se radicalisaient. Affrontements et représailles s’enchaînèrent de plus en plus fréquemment : jeunesse socialiste contre membres de la Phalange, milice ouvrière contre troupe fasciste…

De plus, dès cette victoire du front populaire, des conspirateurs au sein de l’armée commencèrent à organiser le renversement du pouvoir en place. En Juillet 1936, l’assassinat du leader monarchiste Jose Calvo Sotelo détermina le basculement.

Juillet 1936 : Sédition des généraux

Le 17 juillet, un coup d’état débuta au Maroc espagnol sous le commandement de Franco. Certaines régions tombèrent immédiatement, mais les milices prolétariennes se mobilisèrent rapidement, et fidèles aux républicains, réussirent à conserver de grandes villes comme Madrid, Valence ou Barcelone. Au bout d’une semaine, le pays était divisé en 2 territoires de superficies équivalentes.

Affiche des élections de 1936

La victoire du front populaire en 1936 a en partie été possible grâce à l’appel au vote par le parti communiste et les anarchistes. En effet, l’une des promesses était de libérer tous les prisonniers politiques en cas de victoire, parmi lesquels on pouvait compter environ 15 000 militants anarcho-syndicalistes.

Enlisement du coup d’état et début de la guerre civile

En tentant leur « pronunciamiento », les généraux avaient finalement déclenché une révolution. Les ouvriers s’armèrent pour défendre la république. Les patrons, effrayés, abandonnèrent leurs entreprises pour rejoindre le camp nationaliste. Les travailleurs s’emparèrent des usines, les paysans collectivisèrent leurs terres. Le gouvernement avait perdu toute autorité, ne disposant quasiment plus d’aucune force militaire ou policière. Les partis et syndicats de gauche s’organisèrent en armée populaire pour combattre les nationalistes.

Guerre civile espagnole

Siège de Madrid avec le célèbre slogan de la pasionaria « No Pasarán » et miliciens républicains en 1936

Les réactions internationales

À l’étranger, les avis furent d’abord partagés. Le président français, Léon Blum, aurait voulu intervenir pour soutenir les républicains, mais les partis de droite s’y opposèrent appuyés par les britanniques. Un pacte de non-intervention fut alors signé avec la majeure partie des pays européens, empêchant ainsi la livraison d’armes en Espagne. Ce blocus fut finalement une vaste hypocrisie, puisque très vite, l’Italie de Mussolini et l’Allemagne nazie fournirent du matériel militaire et des troupes aux nationalistes. En réaction, l’Union soviétique commença elle aussi des livraisons pour les républicains.

Hitler, au pouvoir en Allemagne depuis 1933, apporta son soutient aux nationalistes comme on organise une répétition générale. Il exploita l’Espagne comme un vaste terrain d’entraînement en vue de la guerre mondiale qu’il s’apprêtait à déclencher en Europe.

Situation en 1936

Situation en 1937

Situation en 1938

Guernica, le cœur du pays Basque

Isolés derrière la barrière naturelle que forment les montagnes au nord de l’Espagne, les 7000 habitants de Guernica n’étaient guère affectés par les combats faisant rage dans le reste du pays.

Depuis le coup d’état du 17 juillet, les citoyens de Guernica – et du pays basque en général – étaient restés fidèles au gouvernement républicain. Madrid venait de s’assurer leur loyauté en accordant aux basques l’indépendance législative.

Depuis toujours, l’autonomie paraissait un droit élémentaire aux basques. Ils possédaient une culture singulière et leur langue, d’origine mystérieuse était exclusive à leurs provinces.

Et Guernica était considérée comme la capitale de cœur du pays basque. Avec son parlement historique et son chêne, l’emblème de la liberté et de l’indépendance basque.

Sa valeur symbolique fit-elle de Guernica une cible idéale ?

Les troupes franquistes à l’assaut du nord

Après l’échec de la prise de Madrid en février 1937, l’état major nationaliste décida de s’occuper des poches républicaines résistantes situées au nord du pays.

C’est ainsi que fin mars, 50000 hommes marchèrent sur le pays basque avec l’appui de la légion d’élite de l’aviation allemande. Bien que pauvrement équipées, les troupes républicaines résistèrent fortement mais furent contraintes de reculer peu à peu.

Le 31 mars, la ville de Durango fut bombardée. Plus de 300 civils périrent. Plusieurs bataillons peu encadrés quittèrent finalement les lignes stratégiques, ouvrant ainsi une brèche d’une vingtaine de kilomètres

Le pont de Renteria

Le pont de Renteria était la cible officielle du bombardement de Guernica pour empêcher la retraite des réfugiés.

Guernica devint le point de mire de tous les réfugiés qui fuyaient l’avancée franquiste et les bombardements.

Wolfram von Richthofen, le chef le l’état major de La légion Condor suggéra aux franquistes de couper la retraite des réfugiés et de détruire le pont de Renteria, aux portes de Guernica.

Ainsi fut-il décidé. Le 26 avril 1937, les escadrilles de la Légion Condor appuyées par l’aviation italienne attaquèrent Guernica.

Le bombardement de Guernica

Dès 16h30, bombardiers et avions de chasse dotés de mitrailleuses se relayèrent par vagues successives. La tactique consistait à larguer un tapis de bombes explosives, pour ensuite disséminer des bombes incendiaires tout en mitraillant les civils qui fuyaient.

Quand les avions arrivèrent, chacun chercha le premier abris à sa portée : cave à vin, usine, ou sous-sols de bâtiments. Certains essayèrent de sortir de la ville et se cachèrent dans des buissons ou des fossés sur le chemin.

Le pilonnage dura plus de 3 heures.

Quand les avions se retirèrent vers 20h, les survivants sortirent de leurs cachettes dans une profonde confusion mêlée à une grande incrédulité. Pourtant consciente de la menace, la population n’aurait jamais imaginé une attaque d’une telle intensité.

Le gouvernement basque dénombra officiellement 1654 morts. Mais le nombre total de victimes reste difficile à déterminer car les décombres ne furent réellement nettoyés qu’en 1941.

Trois jours plus tard, les troupes franquistes s’emparèrent de Guernica en entrant dans la ville par le pont de Renteria… toujours intact.

Comment 30 tonnes de bombes ont-elles pu manquer l’objectif soit-disant principal ?

Ce raid aérien sur une population civile n’aurait-il pas eu l’objectif inavoué de tester un matériel de guerre totale en conditions réelles ? Et finalement, semer la terreur et saper le moral de l’adversaire.

Face à la vindicte internationale, Franco accusa les troupes républicaines basques d’avoir dynamité leur propre fief et d’avoir pris la fuite. Ce mensonge éhonté fut unanimement dénoncé.

Selon des sources se basant sur le journal de Wolfram von Richthofen, c’est bien le général Franco qui donna l’ordre du massacre.

Après la conquête du pays basque, l’armée nationaliste continua son offensive victorieuse dans toute l’Espagne jusqu’au 1er avril 1939, jour où Franco annoncera la fin de la guerre civile et la victoire de son armée.

S’en suivront 36 années de dictature qui ne s’achèveront qu’avec la mort du dictateur.

Guernica en ruines

Photos prises après le bombardement en 1937

Pablo Picasso : peintre espagnol engagé contre les nationalistes

Dès le début de la guerre civile, Picasso s’était rangé du côté du gouvernement républicain, qui par ailleurs l’avait nommé à la direction du musée du Prado.

Quand en janvier 1937, Madrid le prie de réaliser une fresque pour l’exposition universelle de Paris se tenant l’été suivant, l’artiste est quelque peu embarrassé. Il n’a guère le goût de travailler sur commande. Les mois passent et il tarde à se décider sur le thème du tableau.

Le vendredi 30 avril, les bombardements de Guernica font la une du journal « Ce soir ». Immédiatement, Pablo Picasso est pris de frénésie. Il tient son sujet. Dès le lendemain, il exécute les premiers dessins préparatoires.

Il ne cherchera pas à représenter concrètement la tragédie avec des lieux ou des camps politiques identifiables. Il a l’idée d’un tableau allégorique dans lequel il pourra loger des symboles universels.

Edition du journal « Ce soir » du 30 avril 1937

Créé par le Parti communiste français en 1937, Ce Soir s’affirme dès sa création comme le grand journal du Front populaire. Soutien inconditionnel de la République espagnole, Ce Soir se singularise par sa couverture quotidienne de la guerre d’Espagne. Une équipe prestigieuse (Aragon, jean-Richard Bloch, Paul Nizan) lui assure un succès durable jusqu’à l’interdiction de la presse communiste en septembre 1939.

Source : http://gallica.bnf.fr

En 1937, le peintre andalou est déjà un artiste de premier plan, et il semble conscient de la place qu’aura sa peinture dans l’histoire de l’art. Il numérote et date scrupuleusement tous les travaux préliminaires de Guernica, constituant ainsi une véritable genèse de son œuvre.

Dès la première esquisse datée du 1er mai 37, apparaissent les éléments principaux : le taureau, le cheval et la femme à la lanterne. Sur les croquis du 8 mai, se révèlent pour la première fois les figures de la mère et de l’enfant mort. À partir de l’étude n°15, le format s’allonge, se rapprochant des proportions finales. Le 11 mai, Picasso commence le report du dessin sur la toile. Un châssis de près de 8 mètres de long et de 3 mètres 50 de haut ! Après quelques hésitations, il se décide à peindre uniquement en nuances de gris. Il achève Guernica cinq semaines plus tard.

Guernica, étude n°6

Réalisée le 1er mai 1937 | Crayon sur panneau | 53.7 cm x 64.8 cm

Musée Reina Sofía de Madrid

Guernica

Toile réalisée par Pablo Picasso entre le 1er mai et le 4 juin 1937, à Paris.

Nous n’avons absolument aucune certitude sur le rôle des 9 personnages de la toile, ni sur la signification des symboles qui y sont nichés. Picasso lui-même ne nous aide pas :

« Ce taureau est un taureau et ce cheval est un cheval. Si vous attribuez une interprétation à certains éléments de mes peintures, il se peut que cela soit tout à fait juste, mais je ne souhaite pas livrer cette interprétation. Les idées et les conclusions auxquelles vous parvenez, moi aussi je les ai obtenues, mais instinctivement, inconsciemment. »

Mais la tentation d’essayer de saisir le cheminement de pensée de l’artiste est grande, et les spécialistes ont évidemment entrepris de décoder l’œuvre, et ils se contredisent bien souvent.

Les sources s’accordent généralement pour reconnaître les figures de Marie Thérèse, et de Dora Maar, respectivement épouse et maîtresse du peintre, dans les personnages de la femme à l’enfant à gauche de la peinture et de la prisonnière des flammes à droite.

Selon les avis, le taureau est reconnu comme la force brute du totalitarisme observant passivement ses victimes, ou au contraire comme l’âme espagnole restant digne dans l’adversité. Certains y voient même un autoportrait de Picasso.

Le cheval est aussi vu parfois comme le fascisme piétinant des innocents, mais le plus souvent, c’est la république désarticulée et agonisante que l’on perçoit.

La mère pourrait représenter la capitale assiégée (mère = madre en espagnol > Madrid), tandis que son enfant mort évoque l’innocence des civils.

L’ampoule quant à elle a la forme d’un oeil et rayonne comme un soleil. Illustre-t-elle la droiture de la morale ibérique ? Ou encore les bombes destructrices (ampoule = bombilla en espagnol).

Tout à fait à droite, une femme prisonnière des flammes hurle sa détresse dans une position christique qui rappelle celle du fusillé du 3 de Mayo de Goya.

L’homme démembré à terre ressemble à un soldat prêt à mourir pour son idéal. Son épée évoque l’échec de la résistance républicaine et la fleur pourrait elle être l’emblème de la résilience.

La lanterne, enfin, brandit par la femme située au centre du tableau pourrait être interprétée comme un symbole d’espoir mais surtout comme la lueur du témoignage.

Guernica est aujourd’hui considéré comme l’un des chefs d’œuvre du XXe siècle. Pourtant lors de son inauguration, l’accueil fut des plus confidentiel et l’ouverture du pavillon espagnol le 12 juillet 1937 se déroula dans une relative indifférence. Le tableau ne figurait même pas dans le catalogue de l’exposition universelle.

La toile va vivre et commencer à rayonner quelques mois plus tard.

En janvier 1938 Paul Rosenberg la sélectionne pour faire partie d’une centaine d’œuvres destinées à être montrées en Europe du nord pendant plusieurs mois.

En mai 1939, Picasso l’expédie en tournée aux États-Unis. Pendant près de quarante ans, elle restera au MOMA de New-York, Picasso ayant pris des dispositions pour que son œuvre ne soit pas restituée à l’Espagne tant que la démocratie n’y sera pas rétablie.

Guernica au pavillon espagnol de l’exposition universelle de 1937

Première présentation publique, le 12 juillet 1937. Au premier plan, on peut voir une œuvre de Calder, « La fontaine de Mercure »

En 1973, Picasso meurt, et la toile est toujours en sûreté à New York.

Franco a bien essayé dans les années 60 de mener des campagnes de séduction pour récupérer le tableau, mais heureusement sans succès.

Il faudra attendre 1981, six années après le décès du dictateur, pour que Guernica rejoigne la patrie de son créateur.

Aujourd’hui, 80 ans après le bombardement de Guernica, ce sont près de 10000 visiteurs qui se recueillent chaque jour devant ce témoignage emblématique de l’histoire moderne.

A propos de Pablo Picasso...

Né en 1881 à Malaga en Espagne, Picasso est un artiste majeur du XXe siècle.

A partir de 1904 il choisit de vivre en France, d’abord à Paris puis dans le sud de la France.

Fondateur du cubisme avec Georges Braque, il préféra toujours l’étiquette de peintre surréaliste.

Son œuvre gigantesque (plus de 50 000 tableaux, dessins, sculptures, gravures, etc.) se déploya dans de multiples directions, sur de nombreux supports en expérimentant souvent de nouvelles techniques.

Contredisant le dicton qui stipule que « ce qui est rare est cher », les collectionneurs s’arrachent le travail de Picasso à prix d’or depuis des décennies.

Picasso s’éteint à Mougins en 1973 à l’âge de 91 ans.

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Repères

1881 : Naissance de Pablo Picasso à Malaga
17 juillet 1936 : Coup d’état manqué contre le gouvernement espagnol et début de la guerre d’Espagne
26 avril 1937 : Bombardement de Guernica
12 juillet 1937 : Inauguration du tableau Guernica de Picasso à l’exposition universelle de Paris
1er avril 1939 : Victoire des franquistes et fin de la guerre civile
1973 : Décès de Picasso à Mougins
1975 : Mort de Franco
1981 : Restitution du tableau Guernica à l’Espagne

Pour en savoir plus sur Pablo Picasso :

Pour en savoir plus sur Guernica :

Pour en savoir plus sur la guerre d’Espagne :

Biblio :

« Les dernières heures de Guernica » de Gordon Thomas et Max Morgan-Witts

« Lire la peinture de Picasso » de Guitemie Maldonado

« Picasso » de Carsten-Peter Warcke

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Le massacre de la Saint-Barthélemy par François Dubois

kudchouette — Wed, 15 Feb 2017 16:23:16 +0000

Le massacre de la Saint-Barthélemy par François Dubois

Titre :	Le massacre de la Saint-Barthélemy
Auteur :	François Dubois
Technique :	Huile sur bois
Dimensions :	93.5 cm x 154.1 cm
Année :	De 1576 à 1584
Conservation :	Musée des Beaux Arts de Lausanne

Le massacre de la Saint-Barthélemy en chiffres

tués

guerres de religion

personnages

Coligny

reine-mère

Les représentations contemporaines aux massacres de la Saint-Barthélemy sont extrêmement rares, ce qui fait de ce tableau un document exceptionnel. Le peintre François Dubois était un protestant lui-même rescapé des tueries et il transposa toute sa subjectivité dans son œuvre.

Début des persécutions sous François I^er

En France, le terme « guerres de religion » est employé pour désigner la guerre civile qui ensanglanta le pays pendant plus de trois décennies, où s’affrontèrent les catholiques et les protestants. Mais le conflit paraît principalement d’ordre politique, tant les oppositions théologiques des deux doctrines semblent minces.

Les premiers troubles survinrent sous le règne de François Ier pendant la montée du protestantisme en Europe. D’abord tolérant envers la réforme, le souverain changea peu à peu d’attitude face à des actes de vandalisme perpétrés contre le culte romain et favorisa les poursuites judiciaires contre les reformés.

En 1534 le placardage clandestin d’affiches anti-papistes provoqua la radicalisation du roi contre les luthériens et amorça le début des persécutions.

Affaire des placards

Dans la nuit du 18 octobre 1534, des protestants français placardèrent des textes injurieux contre la messe en différents lieux du pays et jusque sur la porte de la chambre de François I^er, à Amboise. Cette affaire provoqua la fin de la politique de tolérance envers les réformés. Une violente répression s’en suivit dont la condamnation au bûcher de 6 personnes.

Les tensions montent et les clans se forment

Les tensions religieuses augmentèrent encore sous le règne de son fils Henri II, mais malgré la législation de plus en plus répressive à l’égard des protestants la réforme progressait. Elle se diffusait principalement dans les milieux lettrés des villes et infiltra progressivement la noblesse à partir du milieu du XVIème siècle. Même certains dignitaires de la cour se convertirent.

A la mort d’Henri II, des camps politiques commencèrent à se former et cherchèrent à renforcer leur influence envers son successeur.

Le clan des Guise, fervents catholiques, fut placé au premier plan du pouvoir. Leur lien de parenté avec Marie Stuart, épouse du jeune roi François II, leur conférait un ascendant considérable.

Louis de Condé, huguenot, prince de sang et meneur du parti protestant s’opposa farouchement à cette emprise et tenta des actions de résistance. Soupçonné de soutenir activement la sédition, Condé fut arrêté en 1560. Mais la mort soudaine de François II occasionna un changement de pouvoir. Désormais Catherine de Médicis gouvernait en tant que régente au nom de son fils Charles IX. Elle libéra le Prince de Condé, consciente du contrepouvoir nécessaire qu’il représentait face à la puissance des Guise.

Catherine de Medicis

par François Clouet | vers 1560

Les Guise écartés du pouvoir, la reine favorisa la recherche d’un consensus entre catholiques et protestants. Mais faute de terrain d’entente, l’agitation continuait à gronder avec le concours des prédicateurs catholiques qui enflammaient les foules.

Se sentant menacés, les protestants s’armèrent à leur tour et interdirent le culte catholique dans les cités qu’ils contrôlaient.

En 1561, on estime que 10 % des français étaient huguenots.

Selon leurs affinités et surtout leurs intérêts, les nobles se ralliaient soit au camp protestant des Bourbons, mené par Condé, soit au camp des Guise, catholiques intransigeants.

En janvier 1562, voulant à tout prix éviter un conflit, Catherine de Médicis publie un édit autorisant enfin la liberté de conscience et de culte aux protestants. Mais en contrepartie, ceux-ci devaient rendre les églises et chapelles qu’ils avaient réquisitionnées et les offices devaient se dérouler hors des villes closes. Mais l’effet inverse se produisit : au lieu de les restituer, les huguenots saccagèrent les lieux de culte qu’ils s’étaient accaparés.

La première guerre de religion

Les altercations se généralisèrent. Le 1er mars 1562, le Duc de Guise et sa troupe tuèrent 50 huguenots rassemblés dans une grange à Vassy. Cet évènement ouvrit la première guerre de religion. Sept autres épisodes suivirent. Au total, les conflits s’étalèrent sur 36 ans, de 1562 à 1598.

Le jeu des alliances et l’ingérence des pays frontaliers se mirent en place. L’Angleterre d’Elizabeth finançait l’armée protestante tandis que Philippe II d’Espagne soutenait les catholiques.

Une bulle du pape Pie V ordonna carrément une croisade contre les hérétiques.

C’est à partir de 1568 que Catherine de Médicis abandonna sa politique de conciliation et fit combattre l’armée royale du côté des catholiques.

Massacre de Vassy le 1er mars 1562

Gravure de Tortorel et Perissin | 1570

Un mariage pour la paix ?

Le massacre de la Saint-Barthélemy fut le déclencheur de la 4ème guerre de religion. Une trêve avait été signée en 1570. L’édit de Saint-Germain octroyait une liberté de culte assez limitée à quelques villes et faubourgs. En revanche, le protestantisme était interdit à Paris. Mais l’édit appelait à la tolérance et indiquait qu’on ne pouvait pas faire de différence pour raison religieuse.

Les huguenots furent de nouveau admis dans la fonction publique et leurs nobles à la cour. L’amiral de Coligny, héros de guerre et chef militaire du parti huguenot depuis la mort de Condé repris sa place dans le conseil royal et se rapprocha du roi.

Dans une volonté d’apaisement, Catherine de Médicis organisa l’union de sa fille Marguerite avec Henri de Navarre, futur Henri IV et meneur du clan Bourbon protestant.

Quoique extrêmement impopulaire auprès des catholiques, le mariage eut lieu le 18 août 1572. Tous les grands du royaume, y compris les protestants furent conviés à Paris.

Henri de Navarre et Marguerite de Valois

Enluminure du livre d’heures de Catherine de Médicis | 1572

La nuit de la Saint-Barthélemy

L’exaspération des parisiens, ultra catholiques et galvanisés par les prêcheurs, était à son comble.

Les festivités se déroulèrent sans encombre, mais quelques jours après les noces, Coligny fut blessé lors d’un attentat le visant. Les Guise, probables instigateurs, amorcèrent ainsi le sabotage du processus de paix en cours. Dans la capitale au bord de la guerre civile, les protestants réclamaient vengeance. Effrayé, Charles IX rassembla le conseil restreint où il fut finalement décidé d’éliminer les chefs de guerre protestants.

La première action fut menée par le nouveau Duc de Guise, Henri de Lorraine. Encore une fois, l’amiral Coligny était la cible. Cette fois on l’assassina dans son lit, le défenestra et enfin le décapita.

Les nobles huguenots logés au palais du Louvre furent évacués puis tués dans les rues voisines.

Ensuite, Guise et sa troupe s’attaquèrent aux protestants rassemblés dans le faubourg Saint Germain.

La tuerie commanditée par le pouvoir royal devait s’arrêter là. Mais dans la nuit, les parisiens, exaltés par ces premières exactions sonnèrent le tocsin de Saint Germain l’Auxerrois et l’extermination se généralisa à tous les protestants sans exception.

Dès le lendemain, le roi ordonna la fin du carnage mais ne fut pas obéit. Pendant les jours et les semaines suivantes, d’autres villes déclenchèrent leurs propres razzias. Au total on estime à 30000 le nombre de morts dont 3000 à Paris.

Gaspard II de Coligny

par François Clouet vers 1565

Par la suite le roi déclara avoir décidé du massacre pour contrecarrer une conspiration de Coligny contre sa personne. Il endossa ainsi la responsabilité de cette répression « dans l’intérêt du royaume ».

Dans les mois qui suivirent, l’édit de Saint Germain fut annulé, le culte protestant interdit et les conversions fortement encouragées. Henri de Navarre lui-même abjura sous la contrainte le 26 septembre 1572.

Rescapé du massacre, Dubois peint son chef d’œuvre

Pour analyser cette œuvre, il est essentiel de connaître l’expérience de l’artiste lui-même par rapport aux évènements et ainsi déceler sa subjectivité pour garder notre objectivité.

François Dubois est lui-même un rescapé des massacres de la Saint Barthélemy et selon les sources, des membres de sa famille y ont péri.

Nous avons donc affaire ici à un tableau partisan dont l’artiste adopte le point de vue des victimes. Évidemment, pas besoin d’effort pour garder notre objectivité quant au bien fondé de la tuerie : assassiner toute une partie de la population en référence à sa religion, c’est mal ! Nous sommes d’accord !

Le massacre de la Saint Barthélemy

par François Dubois | réalisé entre 1576 et 1584

Mais le propos du peintre transparaît dans chaque détail du tableau et c’est passionnant.

Le décor prend place dans un Paris irréaliste : le peintre a souhaité placer dans son cadre les lieux phares où se déroulèrent les tueries, quitte à malmener légèrement la topographie.

Au centre le Louvre, vers lequel converge la perspective de la scène, « vomi » une horde d’assassins déchaînés toutes piques dehors. On peut constater que l’on exécute jusque dans le palais, en haut des créneaux. De l’une des fenêtres le roi Charles IX tire à l’arquebuse. Catherine de Médicis quant à elle examine un tas de dépouilles dénudées devant l’entrée du palais.

Devant le Louvre se trouve l’hôtel de Ponthieu où Dubois nous raconte l’assassinat de Coligny en trois actes. On le voit, pendant à la fenêtre en train d’être défenestré. On le retrouve ensuite à terre, décapité et en cours d’émasculation, entouré des ducs de Guise (brandissant sa tête décollée), d’Aumale et du chevalier d’Angoulême. Enfin son corps est traîné vers la sortie de la ville, sans doute pour y être pendu au gibet de Monfaucon (actuelle place du colonel Fabien, dans l’est parisien), représenté sur la colline tout à fait à droite du tableau.

De l’autre côté de la Seine remplie de cadavres on peut identifier le couvent Saint Augustin, la tour de Nesle et enfin la montagne Sainte Geneviève sur laquelle culmine un moulin, presque comme un salut.

Les personnages occupent tous les espaces et nous montrent l’épouvantable barbarie. Les protestants sont clairement martyrisés. Les meurtriers se déchaînent sur des victimes suppliantes, beaucoup sont des femmes et des enfants sans défense.

On distingue les catholiques facilement car ils portent tous un couvre-chef, même les deux enfants trainant un nourrisson au milieu de la scène.

Pourtant au cœur de sa peinture, François Dubois semble avoir niché une lueur d’espoir. Un gentilhomme habillé de rouge, portant cape et chapeau, certainement catholique, paraît bouleversé par toute cette violence frénétique. Sa posture est compatissante et son émotion nous rappelle que tous les catholiques ne cautionnent pas cet acharnement.

Si cette œuvre unique en son genre dénonce l’exaltation des parisiens les plus zélés et célèbre la mémoire des martyrs protestants, ces derniers restèrent néanmoins extrêmement discrets à la suite de cet évènement.

En revanche, les nations catholiques se félicitèrent de cette purge. Le pape Grégoire XIII alla même jusqu’à commander une fresque à Giorgio Vasari glorifiant l’extermination.

Aujourd’hui encore, les historiens restent prudents sur les commanditaires et la responsabilité de la famille royale.

En 1573 une paix fragile fut signée mais cet épisode marqua un fossé entre le pouvoir royal et les huguenots. Moins d’un an plus tard les affrontements reprennent de plus belle avec la conjuration des Malcontents.

Charles IX décède en 1574 et Henri III, son frère, lui succède. Ce dernier répond favorablement aux Malcontents en signant l’édit de Beaulieu, posant ainsi les bases du futur édit de Nantes. Le roi indemnise également toutes les victimes de la Saint-Barthélémy. Mais les catholiques considèrent ces nouvelles dispositions excessives et forment, principalement dans la moitié nord de la France, des partis catholiques unis entre eux : c’est la Ligue. Cette organisation prend tellement d’importance qu’elle parvient à chasser Henri III de Paris. Il est assassiné en 1589 par Jacques Clément, un fanatique catholique membre de la Ligue.

Henri de Navarre, successeur légitime, devient le nouveau souverain sous le nom d’Henri IV. Ayant le gros désavantage d’être huguenot et chef du parti protestant, il se convertit définitivement au catholicisme en 1593, apaisant ainsi les consciences.

L’édit de Nantes est signé en 1598. Il donne la liberté de culte, l’égalité civique et les droits politiques aux protestants et met fin aux guerres de religion.

A propos de François Dubois...

Né en 1529 à Lausanne, François Dubois est surtout connu pour le tableau du « Massacre de la Saint Barthélemy ».

C’est d’ailleurs la seule œuvre qu’on peut lui attribuer avec certitude. On lui prête tout de même la paternité d’une peinture sur le Triumvirat romain.

Protestant lui-même, il réchappe des tueries et se réfugie à Genève où il meurt en 1584.

Repères

1534 : Affaire des placards
1er mars 1562 : Massacre de Vassy et début de la première guerre de religion
24 août 1572 : Nuit de la Saint Barthélemy et début de la quatrième guerre de religion
1574 : Mort de Charles IX, son frère Henri III lui succède
1589 : Henri III meurt assassiné par le fanatique catholique Jacques Clément, Henri IV lui succède
1598 : Signature de l’édit de Nantes par Henri IV
1610 : Henri IV est assassiné par Ravaillac, autre fanatique catholique

Pour en savoir plus sur les guerres de religion :

Page Wikipédia sur les guerres de religion en France au XVIème siècle

Musée virtuel du protestantisme

Pour en savoir plus sur la Saint-Barthélemy :

Page wikipédia sur la nuit de la Saint Barthélemy

Courte vidéo sur France TV éducation

2000 ans d’histoire avec l’historienne Arlette Jouanna historienne

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Le buste de Nefertiti par Thoutmes

kudchouette — Wed, 18 Jan 2017 16:16:03 +0000

Le buste de Nefertiti par Thoutmes

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Titre :	Buste de Nefertiti
Auteur :	Thoutmes (ou Thoutmôsis, ou Djéhoutymosé)
Technique :	Sculpture en calcaire et stuc peint
Dimensions :	47 cm
Année :	Environ 1345 av.JC
Conservation :	Neues Museum de Berlin

Le buste de Nefertiti en chiffres

ans

cm

kilos

ans de mystère

oeil

La Belle est venue ». Telle est la signification du nom de Nefertiti.

Chacun connaît le visage de la reine d’Égypte grâce au buste en calcaire réalisé par Thoutmes. Cette sculpture, en plus d’être l’un des emblèmes les plus illustres de l’Égypte antique, est devenue aujourd’hui un idéal universel de grâce et de beauté.

Découverte du buste de Nefertiti par Borchardt

En 1912, année de la découverte du buste de Nefertiti, l’Égypte est encore un protectorat britannique, mais les fouilles archéologiques sont sous la responsabilité des français, notamment de Gaston Maspéro.

Depuis 1899, Maspéro, alors directeur du service des antiquités du Caire, s’était employé à encourager les campagnes de fouilles en Égypte. La mise en cœuvre prochaine de la réforme du système d’irrigation, allait selon lui imprégner d’eau des terrains où des objets étaient peut-être encore enfouis, les rendant ainsi perdus pour la science. Entre 1900 et 1912, le nombre de chantiers archéologiques fut ainsi multiplié par quatre.

C’est à partir de 1911 que l’archéologue allemand Ludwig Borchardt entreprit de fouiller minutieusement le site de Tell el Amarna, autrefois capitale de l’Égypte connue sous le nom d’ Akhetaton. Dans les ruines de l’antique cité, il découvrit l’atelier de Thoutmes, sculpteur attitré de la cour.

Le buste de Nefertiti gisait sur le sol parmi d’autres objets d’art, principalement dédiés au pharaon et à sa famille.

Le 6 décembre 1912, il nota dans son journal :

« Tout à coup, nous avions entre les mains l’œuvre d’art égyptienne la plus vivante. On ne peut pas la décrire avec des mots. On doit la voir. »

Découverte du buste de Nefertiti en 1912

Le transfert (pas très régulier) de Nefertiti en Allemagne

Pour exporter d’Egypte cette incroyable découverte, Borchardt semble avoir dû ruser.

L’arrangement en cours à cette époque était un partage des pièces sous le contrôle du service des antiquités du Caire, qui rappelons-le était dirigé par des français. C’est Gustave Lefèvre qui se chargea de la répartition des objets du chantier allemand. Ce partage fait encore aujourd’hui polémique : comment Lefèvre a-il pu laisser filer une pièce aussi indéniablement précieuse ?

Borchardt en aurait volontairement sous-estimé la valeur en la camouflant ou en la maquillant. Une fois l’autorisation de l’exporter jusqu’en Allemagne obtenue, l’archéologue intervint encore pour qu’elle ne soit pas exposée immédiatement, sans doute pour ne pas attirer l’attention.

Ce n’est qu’en 1924 que le buste est enfin dévoilé au grand public. Depuis, les autorités égyptiennes n’ont cessé de réclamer sa restitution. Sans succès.

Le mystère des origines de Nefertiti

On les comprend, cette sculpture est sans conteste une œuvre majeure de l’ère pharaonique.

Mais si son visage est éminemment célèbre, Nefertiti, elle, reste un mystère à de nombreux points de vue.

Son origine est incertaine. La signification de son nom (« la belle est venue ») semble indiquer une origine étrangère, mais aucun document n’atteste cette information. Les avis divergent sur sa famille : fille d’ Amenophis III ? Belle-fille du dignitaire Aÿ ?

Même la date de son mariage avec Akhenaton et son accession au trône reste incertaine. Pourtant, les chroniques suggèrent un rôle de premier ordre dans le gouvernement et les prises de décisions. Contrairement aux autres pharaons qui possédaient harems et concubines, Akhenaton consacra Nefertiti comme unique épouse.

Akhénaton, Nefertiti et leurs enfants

Neues Museum, Berlin |1340 av. JC

Le règne de Nefertiti

Ensemble, ils abandonnèrent Thèbes et déplacèrent la capitale en plein désert. Akhetaton, « l’horizon d’Aton », devint le centre névralgique de la réforme religieuse initiée par le couple royal. Aton, jusqu’ici considéré comme une divinité mineure du panthéon égyptien, devint le dieu unique et exclusif.

Cette révolution cultuelle valut à Akhenaton le surnom de « Pharaon hérétique ». La centralisation exagérée dans la nouvelle capitale provoqua une crise économique importante. L’inertie militaire du pouvoir entraîna des pertes de territoires. Manquant d’or, la prodigalité et donc l’influence de l’Egypte diminua.

A la mort du roi (vers 1337 av.JC), le pays avait perdu de nombreux territoires.

Les registres nous indiquent qu’un souverain du nom de Smenkhkare lui succéda pendant deux ans. Selon certains spécialistes, cet obscur pharaon ne serait autre que Nefertiti elle même ! Cette explication justifierait la disparition de la reine dans l’iconographie et les archives : elle aurait simplement changé de statut et de nom pour ce nouveau rôle. Les circonstances et la date exacte de son décès restent énigmatiques également.

Sans les vestiges singuliers de l’art amarnien, sans la découverte de son portrait devenu iconique, le souvenir Nefertiti se serait certainement perdu dans les limbes de l’histoire.

Akhenaton et Nefertiti

Musée du Louvre | 1345 av. JC

Le renouveau de l’art sous d’Akhenaton

L’art amarnien – du nom de « Tell el Amarna » – déployé sous le règne d’Akhenaton s’appuyait sur l’outrance des formes, extrêmement stylisées. Il y eut une volonté de s’éloigner des canons classiques qui généralement idéalisaient les personnages, notamment les souverains. Les sujets sont représentés plus réalistes, quitte à accentuer leurs défauts et finalement à les caricaturer.

On observe, des corps ventrus, des figures aux lèvres proéminentes et des crânes anormalement allongés. Les bas reliefs montrant l’intimité de la famille royale, mettent en scène leur lien avec Aton, omniprésent, représenté par l’astre solaire dont les rayons se terminent par des mains protectrices.

Akhenaton et sa famille accomplissant une offrande

Musée_du_Caire | 1356 -1340 av. JC

Un chef d’œuvre signé Touthmes

Le buste représentant Nefertiti détonne pourtant de ce courant artistique. Il s’inscrit davantage dans le style classique thébain de l’art égyptien bien qu’on ne connaisse pas réellement d’œuvre équivalente. Thoutmes était manifestement un artiste complet : modeleur, graveur et peintre hors pair !

La sculpture est réalisée en calcaire, recouvert de stuc. D’une hauteur de 47 cm, elle pèse une vingtaine de kilos.

La reine porte une couronne bleue, assez massive, contrastant avec la finesse du cou. On retrouve cette même couronne sur d’autres représentations de Nefertiti.

Une étude ayant appliqué une grille sur le visage de Nefertiti révèle une quasi parfaite symétrie des traits.

La cavité vide de l’œil gauche de Nefertiti fit couler beaucoup d’encre. Lors de sa découverte, l’équipe pensait avoir égaré le quartz censé garnir l’orbite. Mais après une minutieuse inspection dans l’atelier de Thoutmes, l’œil de la reine resta introuvable.

Plusieurs hypothèses essaient d’expliquer cette absence. Certaines, farfelues, évoquent que la reine était tout simplement borgne ! Une explication intéressante suggère que ce buste ait pu servir de modèle au maître pour enseigner à ses élèves la technique d’incrustation d’un œil.

Cette idée que l’effigie de Nefertiti serait un modèle est d’ailleurs appuyée par plusieurs égyptologues. Il aurait servi à réaliser d’autres représentations de la reine.

Buste de Nefertiti

Neues Museum, Berlin | 1345 av. JC

La polémique sur l’authenticité du Buste de Nefertiti

Une théorie selon laquelle le buste de Nefertiti serait un faux a fait l’objet d’un livre intitulé « Le buste de Nefertiti : Une imposture de l’égyptologie ? » publié en 2009. L’auteur, Henri Stierlin s’appuie essentiellement sur le manque d’empressement de Ludwig Borchardt à exposer sa découverte. Il suppose que l’archéologue et son équipe auraient expérimenté pendant les fouilles, une reconstitution d’effigie royale avec les matériaux trouvés dans l’atelier de l’artiste. En décembre, la famille du Prince de Saxe visita le chantier archéologique et s’extasia sur la sculpture. Borchardt aurait prétendu que l’objet était authentique pour ne pas les décevoir et aurait été pris au piège de son mensonge. Cela expliquerait ainsi la dissimulation du buste lors du partage, et le manque de discernement des français.

Stierlin met en exergue également l’état de conservation exceptionnel du buste, ainsi que son style en décalage avec le courant amarnien. Autant d’arguments nettement réfutés par la communauté scientifique.

Enfin, l’ultime mystère concernant Nefertiti est celui de sa sépulture. Cependant, deux théories sont attentivement étudiées.

La première, soutenue par Marc Garolde, se rapporte à une momie baptisée « Younger Lady » lors de sa découverte en 1898. Des tests ADN effectués en 2010 l’identifie formellement comme la mère de Toutankhamon et appartenant à la famille royale. Garolde soutient qu’elle serait Nefertiti. A noter qu’il rejette la thèse que la reine aurait survécu à son époux et lui aurait succédé sur le trône. Selon lui, la reine-pharaon Smenkhare serait Meritaton, la fille aînée du couple royal.

La deuxième hypothèse, émise en 2015 par Carl Nicholas Reeves, avance que le tombeau de Nefertiti se dissimulerait à l’intérieur du fameux tombeau de Toutankhamon découvert en 1922 par Howard Carter. Des scans ont en effet révélé qu’une pièce secrète et inviolée se situait derrière l’une des parois de l’hypogée.

Si l’existence de cette salle est quasiment avérée, en revanche, l’attribuer à la tombe de Nefertiti n’est que spéculation tant qu’on ne l’a pas explorée. Et la vérification de cette théorie sera on ne peut plus délicate, car il est évidemment impensable d’endommager les scènes peintes sur ce mur de séparation. A suivre donc…

A propos de Thoutmes...

L’identification de Thoutmes comme maître de l’atelier découvert en 1912, et donc l’attribution de la paternité du buste de Nefertiti était fragile. Les indices sur lesquels se reposait Borchardt étaient minces, parmi ceux-ci, une inscription gravée sur une œillère en ivoire trouvée dans la cour.

Mais en 1996, l’égyptologue Alain Zivie révèle l’existence d’une tombe à Saqqara, appartenant à un certain Thoutmes. Plusieurs années furent nécessaires pour l’étude complète du caveau et c’est en 2013 qu’une publication confirme que le propriétaire de la tombe est bien la même personne qui sculpta le buste.

Il apparaît que Thoutmes était un artiste de génie, fort connu et respecté par ses contemporains. Il décora lui-même une partie de sa sépulture et réalisa notamment un autoportrait tenant une palette.

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Repères

~1370 av. JC : Naissance de Nefertiti
~1345 av. JC : Réalisation du buste de Nefertiti par Thoutmôsis
~1333 av. JC : Mort de Nefertiti
1912 : Découverte du buste de Nefertiti à Tell el Amarna
1924 : Présentation officielle du buste à Berlin
1996 : Découverte du tombeau de Thoutmes à Saqqarah
2013 : Confirmation de la paternité du buste à Thoutmes

Pour en savoir plus sur Thoutmes :

Interview d’Alain Zivie

Article sur la découverte de la tombe de Thoutmes

Pour en savoir plus sur Nefertiti :

Article sur la sépulture de Nefertiti

Page wikipédia de Nefertiti

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Le Baptême de Rollon dans les chroniques de Saint-Denis

kudchouette — Sun, 11 Dec 2016 08:45:20 +0000

Le Baptême de Rollon dans les chroniques de Saint-Denis

Titre :	Le baptême de Rollon
Auteur :	Inconnu
Technique :	Enluminure
Dimensions :	Inconnues
Année :	XIVème siècle
Conservation :	Bibliothèque municipale de Toulouse

Depuis les dernières années du règne de Charlemagne, les normands – littéralement « hommes du nord » – multipliaient les incursions en Francie occidentale et se livraient à des pillages de plus en plus fréquemment. C’est dans ce contexte que Rollon (aussi appelé « Rollo », « Rhou » ou « Hrolfr ») surgit dans l’histoire de France et fonda le duché de Normandie après un traité avec le gouvernement franc.

Des raids vikings chez les carolingiens

Durant la seconde moitié du IX^ème siècle, le délitement du royaume carolingien favorisa l’audace de redoutables guerriers de la mer : les vikings. Ultra mobiles grâce à leurs drakkars, ils remontaient agilement les fleuves et semaient la terreur sur le territoire.
En 843, une centaine d’embarcations scandinaves remonta la Loire et attaqua Nantes. Deux ans plus tard, le légendaire chef viking Ragnar Lodbrok s’empara de Paris. À cette époque, le souverain Charles le Chauve était déjà affairé à lutter contre l’insubordination de ses grands seigneurs. Sa seule issue fut de payer une rançon colossale aux envahisseurs en échange du départ de Ragnar.

Le siège de Paris par les Vikings

Les rois se succédèrent, de grands travaux furent mis en place pour la défense des villes, mais les assauts continuèrent.

En 886, une flotte de 700 navires déversa ses quelques 20 000 guerriers au pied des murailles de la capitale pendant plusieurs mois. Les parisiens résistèrent grâce à l’énergie déployée par le Comte Eudes (futur roi des francs) pour défendre Paris. Mais c’est de nouveau contre le versement d’un tribut que les normands consentirent à se retirer pour aller piller plus à l’est.

Le comte Eudes défend Paris contre les Normands, 883-886

Par Jean-Victor Schnetz en 1837 | Galerie des batailles, Château de Versailles

L’histoire de Rollon

Les principales sources que nous possédons sur Rollon sont tirées de « l’histoire de Normandie » rédigées dès la fin du Xème siècle par Dudon de Saint-Quentin.

Ainsi, avant ses aventures franques, nous ne connaissons pas le parcours de Rollon avec certitude. Probablement d’origine norvégienne, il aurait été banni de son pays par le roi Harald. Il serait ensuite parti ravager l’Irlande et l’Angleterre avant de s’attaquer à la Francie. Selon certaines sources, il aurait participé au siège de Paris en 886.

A la fin du IX^ème siècle, il s’implanta solidement à Rouen avec sa troupe. Il établit un pacte avec l’archevêque Gui lui demandant d’épargner la ville. Mais l’armée de Rollon continua de semer la terreur et assiégea Chartres puis Paris.

De son côté, Charles III le Simple était occupé à l’est à récupérer la Lotharaigie. Pour assurer ses arrières à l’ouest, il décida d’entamer des pourparlers avec Rollon. Ces négociations aboutirent sur le traité de Saint-Clair sur Epte.

En contrepartie, Rollon s’engageait à assurer la protection et la sécurité du royaume. Le pacte fut scellé grâce à son union avec Gisèle, fille du roi, et finalement, grâce à son baptême chrétien.

Rollon négociant la reddition de Rouen

Enluminure des Chroniques de Saint-Denis

Qu’est-ce qu’une enluminure ?

Le mot « enluminure » vient du latin « illuminare » signifiant « éclairer ». Ces illustrations, réalisées sur parchemin ont donc la fonction d’illuminer le texte qui les accompagne.

La plupart du temps, c’étaient les moines qui créaient les manuscrits, souvent commandés par une famille noble ou même par un souverain.

On compte trois principaux types d’enluminures :

– la composition décorative, décorant la page et le texte comme par exemple les bordures

– les lettrines, des lettres ornées marquant le début d’un paragraphe ou d’un chapitre

– les miniatures, qui sont en fait de tous petits tableaux représentant des scènes entières

Le baptême de Rollon est donc une miniature, dans laquelle l’artiste utilise un certain nombre de codifications propres à l’enluminure pour transmettre un propos plutôt religieux, comme bien souvent au moyen-âge.

Le baptême de Rollon en 912

Enluminure des Chroniques de Saint-Denis

Décodage de l’enluminure

De part et d’autre des fonds baptismaux, deux groupes distincts se font face. La proximité des personnages de chaque groupe suggère qu’ils communiquent entre eux. On note le dédoublement de certains sujets (3, 4 et 5), procédé courant dans ce genre pictural pour évoquer une relation de maître à élève. On distingue le maître par un attribut supplémentaire : dans le groupe de gauche, le maître serait celui qui présente un coffret (3). Tout à fait derrière, l’un des deux se différencie avec une coiffe (5). A droite de Rollon, c’est son parrain le Duc Robert d’Aquitaine (dont il prend le prénom à l’occasion de ce baptême) qui se distingue avec sa ceinture.

On peut remarquer que le chef viking (1), au centre de la scène, est représenté tel un seigneur. Cette position de face est une utilisation récurrente au moyen-âge pour figurer les souverains, ainsi placés hors du temps. En opposition, les sujets placés de profil sont eux dans l’action. L’archevêque (2), portant mitre et crosse, est dessiné beaucoup plus grand que les autres, signe de son importance et de sa position hiérarchique.

Quand au seul personnage féminin de l’image (6), nous savons qu’il s’agit de son épouse Gisèle, grâce à sa mention dans la légende sous l’enluminure : « Comment Rollo receut baptesme et fut son parrin Robert le duc d’Acquitaine, et comment il eut a femme Gille la fille du roy de France ».

Rollon | 2. L’archevêque | 3. Groupe ecclésiastique | 4. Groupe laïc le Duc Robert à droite | 5. Groupe laïc | 6. Gisèle

Il paraît surprenant que Gisèle soit représentée ainsi puisque plusieurs sources affirment qu’elle n’avait pas plus de 4 ans au moment des noces. En tous cas, c’est avec Poppa, fille du comte de Bayeux que Rollon assurera sa descendance. Et quelle descendance ! Toute la lignée des Ducs de Normandie jusqu’au XIIème siècle, dont le célèbre Guillaume le Conquérant.

Avec son parcours singulier, Rollon éveille un intérêt romanesque depuis des siècles, à commencer par sa présence dans les chroniques historiographiques de France. Plus récemment on peut le retrouver en bande dessinée dans « Rouen », scénarisé par Olivier Petit et surtout dans l’incontournable série « Vikings » qui prend des libertés avec l’histoire et en fait le frère félon de Ragnar.

A propos des chroniques de Saint-Denis...

Les chroniques de Saint-Denis sont un recueil d’écrits latins sur l’histoire de France, compilés à l’abbaye de Saint-Denis (devenue aujourd’hui une basilique). Leur rédaction va de l’an mil jusqu’à la fin du XIIème siècle.

Elles furent ensuite doublées d’une version française et complétées par les vies des rois suivants dans l’objectif d’une plus vaste diffusion.

Les chroniques de Saint-Denis ont servi de réservoir à de nombreuses générations d’historiens et sont finalement le socle de toutes les connaissances sur l’histoire de la France médiévale.

Repères

845 : Naissance supposée de Rollon en Scandinavie
886 : Siège de Paris par les vikings
911 : Traité de Saint-Clair sur Epte
912 : Baptême de Rollon
Entre 927 et 933 : Mort de Rollon
~ 1000 : Début de la rédaction des Chroniques de Saint-Denis

Pour en savoir plus sur les chroniques de Saint-Denis :

École des Chartes

Bibliothèque numérique de Toulouse

Pour en savoir plus
sur Rollon :

Le site Histoire de la Normandie

CÉRÉdI- Centre d’Études et de Recherche

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La mort de Pablo Escobar vue par Fernando Botero

kudchouette — Wed, 23 Nov 2016 17:23:51 +0000

La mort de Pablo Escobar vue par Fernando Botero

Titre :	La mort de Pablo Escobar
Auteur :	Fernando Botero
Technique :	Huile sur toile
Dimensions :	58 cm x 38 cm
Année :	1999
Conservation :	Musée d’Antioquia de Medellín

Pablo Escobar en chiffres

policiers assassinés

$ de récompense

ans de banditisme

mandat de député

balles

La mort de Pablo Escobar est un événement de l’histoire colombienne compilant toute la dramaturgie et la démesure du personnage. Il est compréhensible qu’elle ait inspiré un artiste comme Fernando Botero, si engagé dans l’observation de son pays.

Fernando Botero et Pablo Escobar sont sans doute deux des personnalités colombiennes les plus connues au monde. Tous les deux sont originaires de la ville de Medellín. L’un représente la culture tandis que l’autre évoque la violence. Bien qu’opposés en tous points, leurs parcours se sont pourtant rejoints au cœur de l’histoire de la Colombie.

Les début d’Escobar : créativité et violence

Pablo Emilio Escobar Gaviria est issu d’une famille pauvre de la banlieue de Medellín. Il fit ses premières armes dans l’illégalité assez tôt, mais avec créativité : recyclage de pierres tombales (volées, effacées puis revendues comme neuves), falsification de diplômes universitaires, vente de faux tickets de loterie, vol de voitures, etc.

C’est au début des années 70 qu’il se lança dans le trafic de cocaïne. La demande venant des États-Unis était grandissante et Escobar sut trouver une méthode efficace pour que sa petite entreprise connaisse une croissance exponentielle : « L’argent ou le plomb ». L’astuce simplissime consistait à corrompre ceux qui se mettaient en travers de son chemin. S’ils refusaient, ils prenaient une balle.

Ce système implacable terrorisa le pays et entraîna la morts de milliers de gens, qu’ils fussent hommes politiques, journalistes, juges ou appartenant aux forces de l’ordre.

Pablo Escobar – 1977

Célébrissime portrait d’identité judiciaire d’un Pablo Escobar hilare, photographié par la police de Medellín en 1977

La soif de pouvoir

Mais être richissime ne lui suffit plus. Recherchant à tout prix davantage de pouvoir, il usa encore de sa persuasion pour se faire élire député suppléant au congrès. Pour cela, il redora son image en blanchissant sa fortune gagnée dans le narcotrafic en construisant des logements, des hôpitaux ou des églises dans les quartiers défavorisés.

Le ministre de la justice, Rodrigo Lara dénonça les connexions d’Escobar avec les Cartels de drogue et amorça ainsi son bannissement de la vie politique. En représailles sa voiture fut mitraillée. Ce fut le premier assassinat politique commandité par Pablo Escobar.

A la tête du Cartel de Medellín, le narcotrafiquant contrôlait désormais 90% du marché de la cocaïne aux États-Unis, et cela faisait des envieux. Le cartel concurrent de Cali entama une guerre de pouvoir sans merci et les affrontements des deux clans rivaux mirent la Colombie à feu et à sang.

Pablo Escobar au congrès – 1982

Officiellement il se présente comme un homme d’affaire ayant fait fortune grâce à une compagnie de taxis, il devra démissionner l’année suivante en raison notamment de comptes de campagne suspicieux et des accusations persistantes du ministre de la Justice Rodrigo Lara Bonilla.

Pablo Escobar amateur de Botero

En 1988, en pleine guerre des gangs, une voiture piégée explosa devant une propriété appartenant au truand.

Dans les décombres de la maison, on trouva une importante collection d’art, et notamment, une œuvre de Botero.

L’anecdote relayée massivement par la presse colombienne poussa le peintre à réagir :

« J’ai demandé au directeur du journal « El Tiempo » qu’il écrive un édito informant que je me sentais dégoûté par le fait qu’Escobar possède l’une de mes œuvres. Alors, mon ami journaliste me demanda, qu’après avoir publié ceci, je m’enfuie du pays par sécurité. Et c’est ce que j’ai fait : j’ai préparé mes bagages et je suis parti pour l’Europe. »

Carrobomba – 1999

Peinture réalisée par Botero, sans doute en lien avec l’attentat à la voiture piégée de 1988, où l’on retrouva une toile de Botero dans les décombres.

Welcome to the Hotel Escobar

A la fin des années 80 l’influence de Pablo Escobar était à son apogée et la Colombie restait prisonnière d’un cycle de violence infernal.

Le président colombien, impuissant, décida de négocier. En échange de sa reddition il promit au bandit une peine de prison réduite, et un traitement privilégié pendant sa captivité. Le 19 juin 1991, Escobar se remit aux mains de la justice et fut incarcéré dans la prison « La Catedral » à Medellín. Construite sous sa supervisation, on finit par la surnommée « Hôtel Escobar » : elle comprenait un terrain de football, un bar, un jacuzzi, et était gardée par des geôliers choisis par Escobar lui-même.

Pendant un moment, le gouvernement feignit d’ignorer que cette prison était en fait le nouveau QG Du bandit. Mais l’accord fut rompu lorsqu’on découvrit que 4 lieutenants du Cartel furent torturés puis tués dans la Catedral. Les pouvoirs publics décidèrent de transférer Escobar dans une maison d’arrêt plus conventionnelle. Mais ce dernier eu vent du projet et s’échappa.

Avis de recherche de Pablo Escobar

De la cavale au trépas

La Colombie reprit la traque et sa tête fut mise à prix pour 6 millions de dollars. Épaulées par les États-Unis, les forces de l’ordre constituèrent un bloc de recherche, en cheville avec le Cartel de Calí et des groupes paramilitaires.

Après des mois d’investigations et près de 20 000 perquisitions, Pablo Escobar fut finalement repéré dans un quartier populaire de Medellín « Los Olivos ». La localisation précise (grâce à un échange téléphonique avec sa famille) de l’appartement dans lequel il se cachait, permit de donner l’assaut. Accompagné de son garde du corps, Pablo Escobar s’enfuit par les toits, mais poursuivit, il fut finalement abattu par les tirs du commando.

12 balles lui transpercèrent le corps, dont une fatale qui lui traversa le crâne en passant par l’oreille.

Pablo Escobar mort – 1993

Le bloc de recherche posant avec le cadavre de Pablo Escobar le 2 décembre 1993

La mort d’escobar version Botero

Le tableau « La mort de Pablo Escobar » achevé en 1999 nous raconte justement la poursuite du fugitif sur les toits de Medellín. L’artiste semble nous montrer la colossale influence d’Escobar par le gigantisme de sa taille comparé aux maisons de la ville. Medellín elle-même ressemble à un village.

Représenté pieds nus et débraillé, on comprend qu’il a été pris de court et qu’il a dû fuir en toute hâte. Esquissant un geste dérisoire de protection de la main gauche, il n’est même plus menaçant et son arme pointe désormais le ciel.

Le temps est suspendu : Botero choisi de raconter le moment précis de la chute du caïd, succombant sous la mitraille. Une balle lui a traversé la tête, il est clairement en train de trépasser mais parait s’endormir.

La similitude troublante de certains détails est vérifiable sur les photographies de l’époque représentant l’escadron posant avec le cadavre d’Escobar.

La mort de Pablo Escobar

Toile réalisée en 1999 par Fernando Botero

En 2006, le peintre réalisa une seconde toile sur le sujet, sobrement intitulée « Pablo Escobar mort ». Ici, la disproportion du corps criblé de balles devient éloquente avec l’apparition de deux nouveaux personnages.
Le jeu de volumes entre les trois sujets paraît nous indiquer leur place réelle dans la société colombienne de l’époque.
Le policier de taille moyenne signale la chute du bandit immense à une femme du peuple toute petite qui se lamente de la perte de son héros.
Rappelons-le, Pablo Escobar a suscité à l’époque une sorte d’adoration auprès des classes défavorisées colombiennes. En effet, le financement de structures sociales telles que des hôpitaux et des écoles lui conféra une image de sauveur auprès des populations les plus démunies.

Pablo Escobar mort

Toile réalisée en 2006 par Fernando Botero

Aujourd’hui encore, la Colombie entretient une relation bipolaire avec l’image de Pablo Escobar. Considéré comme un monstre par la plupart, il est vénéré tel un saint par d’autres. En tout état de cause, la figure d’Escobar continue de fasciner les foules et d’inspirer de nombreuses œuvres cinématographiques (Infiltrator) et télévisuelles (Narcos).

A propos de Fernando Botero...

Fernando Botero est né en 1932 à Medellín.
Il est l’un des rares peintres à connaître la gloire de son vivant. Et quelle gloire !

Son style – ne pouvant être associé à aucun courant passé ou présent – est reconnaissable au premier coup d’œil grâce aux formes plus que voluptueuses de ses personnages.

Pour l’artiste, ils ne sont pas gros, ils sont volumineux, ce qui leur donne de la sensualité. Son œuvre est par ailleurs essentiellement inspirée de l’art précolombien et populaire.
Il vit et travaille aujourd’hui à Paris, et il continue régulièrement d’abreuver sa ville natale de ses chefs d’œuvres.

En effet, de monumentales statues ornent les places de Medellín et le grand musé d’Antioquia, lui a dédié un étage entier.

Repères

1932 : Naissance de Fernando Botero à Medellín
1949 : Naissance de Pablo Escobar à Rionegro dans la banlieue de Medellín
1990 : Medellín est la ville la plus dangereuse du monde et les morts violentes représentent plus de 50% des décès
1993 : Mort de Pablo Escobar
1999 : Botero peint « La mort de Pablo Escobar »

Pour en savoir plus sur Fernando Botero :

Museo de Antioquia (site en espagnol)
Page wikipedia de Botero

Pour en savoir plus sur Pablo Escobar :

Journal télévisé du 3/12/1993 (annonce de la mort de Pablo Escobar)
Page wikipedia d’Escobar

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ART Histo

Les sabines décoiffées par Jacques-Louis David

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Les origines (légendaires ?) de Rome

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La présentation des « Sabines » au public

Notice de David sur son tableau Les sabines

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Description des « Sabines »

Tatius

Romulus

Hersilie

Vieille femme chez David / chez Poussin

Autour du tableau

Ingres – Romulus, vainqueur d’Acron – 1812

Picasso – Enlèvement des sabines – 1962

Michel Lablais – Les sabines – 1991

Et Rome alors ?

A propos de Jaques-Louis David...

Repères

Pour en savoir plus sur David et son oeuvre :

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Guillaume le conquérant, star de la tapisserie de Bayeux

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La tapisserie de Bayeux en chiffres

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Guillaume le conquérant, héritier des vikings

Les difficiles débuts de Guillaume le conquérant

Les raisons de l’imbroglio de la succession du trône d’Angleterre

Détail d’un rouleau représentant la lignée des ducs de Normandie et des rois d’Angleterre jusqu’à Henri Ier.

La tapisserie de Bayeux, c’est quoi ?

Scenario et distribution de la tapisserie de Bayeux

Décryptage historique de la Tapisserie de Bayeux

1 – Harold et Édouard le confesseur

2 – Harold est emprisonné par Guy de Ponthieu

3 – Guillaume le conquérant – première apparition

4 – Harold et Guillaume chassent

5 – Harold et Guillaume – Mont-Saint-Michel

6 – Harold prête serment

7 – Mort d’Édouard le confesseur

8 – Couronement de Harold

9 – Comète de halley

10 – Nouvelle du couronement de Harold rapportée à Guillaume

11-Tapisserie de Bayeux – Préparation au départ

12 – La flotte traverse la manche

13 – Repas après installation du camp à Hastings

14 – Dévastation de la campagne anglaise par les troupes normandes

15 – Départ de l’armée normande

16 – Rencontre des deux armées

17 – Mort d’Harold

18 – Les anglais prennent la fuite

A propos de la tapisserie de Bayeux...

Repères

Pour en savoir plus sur la tapisserie de Bayeux :

Pour en savoir plus sur La bataille de Hastings

La bataille de Marignan : une propagande (bien) exécutée par Fragonard

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La bataille de Marignan en chiffres

Soldats français

morts

heures de combats

panache blanc

François I^er

Adoubement de François I^er par Bayard

François 1^er armé chevalier par Bayard

La propagande Marignan du XIX ^ème siècle